Dejando fanatismos aparte. Seamos sinceros. Merriweather Post Pavillion se ha transformado en la joya de la música de nuestros tiempos y es sin duda uno de los órganos precursores de la manera en que en un futuro cercano la estaremos entendiendo. Es difícil abstraerse de un fenómeno así, provistos de tantos atributos claves que produjeron un disco tan lleno de caos y parajes abstractos, pero a su vez tan perfectos y armoniosos, que cualquier incrédulo terminará rindiéndose a su favor.

Mientras de a poco nos enterábamos del próximo lanzamiento del futuro EP de Animal Collective, éstos nos han bombardeado con el video promocional de In the Flowers, tema que da inicio a Merriweather…

El video lleno de imágenes tan abstractas como el tema se presenta como una obra totalmente “art”, y que reúne todas las cualidades y similitudes de videos anteriores. Ya extrañaba que un tema tan notable como In the Flowers no tuviera oficialmente su video. Pues acá está, para su disfrute.

Escrito para Super45

Simian Mobile Disco puede buscar todas las justificaciones plausibles para defender su poco meritorio disco debut, Attack, Decay, Sustain, Release (2007). La verdad sea dicha -en términos bastante subjetivos por cierto-: tras dejar su gran proyecto experimental Simian, el disco que realizaran James Ford y James Shaw carecía de profundidad, caía en lo repetitivo y no conseguía más que un tímido paso por la pista de baile. Algo muy desafortunado para un dúo que se profanaba por crear un material completamente identificado con la Intelligent Dance Music, pero que estaba lejos de ello.

Alejados de la soberbia de su debut, en Temporary Pleasure reconocen y enfrentan sus propios errores, transformando su máquina musical en un híbrido que busca acercarse a las propuestas de consagrados como Röyksopp o Chemical Brothers. Para ello recurren a la colaboración de notables voces de la música actual -Griff Rhys (Super Furry Animals), Alexis Taylor (Hot Chip) y Jamie Lidell, entre otros- pero los errores se confabulan tempranamente. Resulta notorio el desbalance entre la vocalización y musicalización, el mismo que debe servir como plataforma para la entrega de emociones, más allá del contexto lírico. Ese error es una extrapolación de la falta de profundidad en los temas instrumentales, lo que deriva en un resultado menos que tibio.

Lo que sí se debe reconocer a los productores ingleses es su intento por redescubrir sus capacidades bajo plataformas musicales distintas, creando un abanico más amplio y limpio que lo presentado en su disco debut. Pero SMD sigue en deuda: como Simian fueron absolutamente mejores, y eso se extraña.

El título lo dice todo, no hay más que decir, hoy se confirma la venida de Justice a Chile para el próximo 7 de Diciembre. Y posiblemente, en realidad es casi un hecho, que no vendrán solos. Saquen las cuentas quién puede venir también y compartir escenario. Por mi lado no puedo decirlo, pero estoy demasiado emocionado.

Escrito para Super45

“Six Organs of Admittance es el jardín y yo soy el gusano que se come la lechuga”. Devendra Banhart no podía encontrar una mejor manera de expresar la relevancia que el virtuoso guitarrista Ben Chasny tiene en la escena musical norteamericana, anónimo desarrollador de un inteligente folk revival y cuya influencia se ha hecho sentir en figuras como el mismo Banhart, Animal Collective o Grizzly Bear y le ha valido su incorporación a bandas tan llamativas como Comets in Fire y colaboraciones con otras como Current 93 o Magik Markers.

Luminous Night es su nueva apuesta musical, el noveno disco de su abultado catálogo, y con éste demuestra una clara apertura de sus ideas, en un concepto más tangible y menos perturbador que sus anteriores realizaciones. No llega al nivel del notable School Of The Flower (Drag City, 2005), pero tampoco dista mucho de éste, pues se contrapone de una manera acertada a todo el sombrío y abultado sonido de sus predecesores. En Luminous… , Chasny enseña un fresco manejo de capas de instrumentos y que son complementadas con letras más abiertas a la comprensión, pero llenas de rarezas sinceras que profundizan el concepto que Six Organs of … sigue siendo capaz de crear en el folk una pieza musical atemporal e irrepetible.

Otra vez Karin Dreijer Andersson. Otra vez ella y su proyecto Fever Ray. Otra vez vuelve a sorprendernos con una nueva propuesta visual. Esta vez la sorpresa viene enmarcada en la versión de lujo de su disco debut homónimo y que será lanzado el próximo 24 de Noviembre, vía Mute Records.

Strangers than Kindness no está incluido en el disco y es el gran soporte de venta para esta nueva edición de Fever Ray. El tema pertenece a Nick Cave y fue llevado al formato video por Andreas Nilsson manteniendo el formato visual y argumental que nos ha tenido acostumbrado Fever Ray este año, incluyendo escenas sombrías, muy de una época perteneciente al oscurantismo, con chamanes que provocan cierto recelo y condimentos que se conjugan perfectamente con el espíritu sombrío y aterrador de las composiciones de esta talentosa sueca.

Acá amamos a Karin Dreijer Andersson, sea cual sea su envoltorio, The Knife, colaborando con Röyksopp e incluso como Honey is Cool, por eso disfruten del video.

Escrito para Super45

Spencer Krug pertenece a una generación que entiende cabalmente que la música es un proceso creativo en expansión constante, abierto e ilimitado, que no es necesario encerrar bajo normas concretas ni autoimpuestas. ¿Cuántas mentes brillantes del rock han sentido la necesidad de comulgar con un discurso único y/o lineal que no contravenga a las necesidades de expresión que el mismo artista se impuso sin plena conciencia?. Ciertamente la mayoría. Sin embargo figuras como Bradford Cox (Deerhunter, Atlas Sound) o Alex Turner (Arctic Monkeys, The Last Shadow Puppets), por nombrar algunos, comprenden este dilema creativo y erigen agrupaciones, ya sea solistas o bajo la compañía de otros músicos con las mismas necesidades, que les permiten, bajo otro envoltorio pero con un alma única y distinguible, expresar ciertas motivaciones sin ofender el desarrollo de sus otros proyectos, transformándolos en un complemento necesario para comprender mentes que divagan constantemente.

Así Krug, con sus bandas Swan Lake, Frog Eyes, Sunset Rubdown y Wolf Parade, logra reunir y desarrollar abiertamente, sin remordimientos, todas sus inquietudes musicales en frascos de distinto color, pero provistos de la misma esencia. Sunset Rubdown, bajo este prisma, encuentra el artificio más experimental de su creador. Los pasados discos Random Spirit Lover (2007) y Shut Up I’m Dreaming (2006) fueron muestras de un genio único, en el cual la instrumentación caótica y en exceso sirvió como recurso de expresión válido y altamente efectivo.

Dragonslayer sigue la misma concepción y utiliza los mismos recursos, pero definitivamente está construido de una manera distinta. Al igual que el disco At Moun Zoomer de su proyecto Wolf Parade, Krug arma en su mente un rompecabezas de sonidos que desarrolla de una manera más directa hacia el oyente, sin pretensiones mayores, alejado de todo barroquismo; pero que mantiene esa complejidad de estructuras tan propias de su genio. En ese juego es acertado pensar que la inclusión más protagónica de la voz secundaria de Camila Wynne le permite un desarrollo más armonioso, fluido y comprensible de su trabajo, como se puede escuchar en temas tan intensamente melodiosos como “Silver Moons” o tan aglutinados de estructuras y complejidades como “Black Swan”.

Uno de los puntos más intrigantes de Spencer Krug es el desarrollo de sus letras, que muchas veces se confunden en medio de tanta complejidad de fondo y terminan siendo muy difíciles de seguir. Como nunca antes, es posible encontrar las conexiones, los puntos comunes y el significado de sus composiciones, pero siguen siendo tan intrincadas como siempre y es posible ver referencias a temas de otros discos o de sus otros proyectos. ¿Alguien ha hecho el reparo de que el tema “Paper Lace” está incluido también en el disco que Swan Lake lanzó este año?. ¿Quién puede hacer dos versiones de una misma canción y que ambas posean los elementos para hacerla tan buena?. No es de extrañar que Spencer Krug sea el responsable.

En definitiva, Dragonslayer carece de ciertos elementos tan apetecidos de los anteriores discos de Sunset Rubdown, pero el refinamiento de su recursos expresivos hace mantener este disco como una obra que no envidia en absoluto el complejo de sonidos de sus antecesores, y demuestra las capacidades de un Spencer Krug totalmente inspirado, que bordea los límites de la genialidad. Un disco necesario para tu catálogo musical.

Escrito para Super45

Los más de 10 años de carrera musical del dúo francés Air han sido un tema siempre difícil de resolver para los medios. Su notable contribución a la escena electrónica mundial no despierta mayores cuestionamientos a estas alturas: el fondo radica en la manera que Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel han desarrollado un sello único e inconfundible, de una manera que su propuesta apunta siempre al sonido de las máquinas y no a lo esencialmente humano de la música.

Muy por el contrario a la vía de desahogo creativo que representan sus coterráneos de Daft Punk, Air siempre ha dejado abierta su propuesta a los cambios y, por ende, a la dicotomía amor/odio. El éxito de Moon Safari (1998) no sólo inscribió en la historia su mejor trabajo hasta la fecha, sino que sentó las bases de un sonido elegante que terminó encantando a toda una generación. Pero la subjetividad de la crítica se empecinó – temprana e injustificadamente- contra un 10,000 Hz Legend (2001) que proveía un abanico completo de elementos exquisitos, los más complejos e interesantes que se esconden detrás del genio de los franceses.

Conscientes de la amplia gama de posibilidades que les dio explorar su sonido en sus primeros años de existencia, el dúo volvió a las pistas para olvidar el fracaso del débil Pocket Symphony (2007), asumiendo las bondades de sus primeras placas y engalanándolas con ciertos pigmentos que hicieron tan bien recibido a Talkie Walkie en 2004. El producto final se llama Love 2, pero todas las buenas intenciones se disuelven rápidamente.

A pesar de tener todo de lo que carece Pocket Symphony, Love 2 ostenta todo lo malo que alguna vez criticásemos a Air. La frialdad extrema de los temas son prueba irrefutable de un desapego a la hora de componer y resulta muy difícil encontrar que algo salga de lo plano, lacónico y, muchas veces, predecible. Piezas como “Sing sang sung” o “So light is her footfall”, carecen de profundidad lírica (alguna vez presente en la discografía del dúo u oculta por otros matices) y generan espacios musicales llanos y vacíos. En los seis largos minutos de “Tropical disease” escuchamos una sinfonía de elementos que llevan por distintos parajes, pero terminan destruidos por un inconsistente liricismo digno de un film barato de los ‘70. Así, cada uno de los doce tracks parecen mostrar una postal sin imágenes ni remitente, y dejan una vaga sensación de orfandad.

Muchas veces alabamos los cambios y otras veces celebramos los reencuentros, pero todos ellos serían bien recibidos si la esencia que crea la música naciera de un ímpetu más espontáneo y no tan forzado.Love 2 es un disco interesante, lleno de melodías pop inmediatas y sicodelia impertinente y llamativa, pero que sin un poco de corazón terminan dando forma a un producto sin sustancia ni espontaneidad (10,000 Hz Legend poseía todo eso y era un disco por y para computadoras). Un buen álbum está hecho de corazón, y esto le faltó a Air… nuevamente.

A pesar de que el último trabajo de los neoyorkinos Ratatat, llamado LP3, fue lanzado hace más de un año, Mike Stroud y Evan Mast quieren mantenernos aún interesados en él. y nada mejor que lanzando el video promocional de su nuevo single Falcon Jab, que muy al estilo de sus predecesores, trabaja sobre la base de imágenes de la antigua película Jason and the Argonauts, para maquillarla con coloridos filtros y que son (des)sincronizados acorde con la descontextualización de sonidos que el tema emana. Un resultado interesante que siempre es agradable de ver, más aún si viene de este gran dúo.

Disfruten

Foto de mjambriz

Ya les había comentado que Empire of the Sun se ha transformado en una de mis bandas favoritas, y su disco Walking on a Dream es uno de los discos que más he escuchado esta temporada. Pues bien, hace pocos días han publicado su cuarto sencillo, y esta vez tocó al tema Without You, el cual podemos ver en un hermoso y armonioso video, muy al estilo al cual nos tienen acostumbrados.

Disfruten.

Uno de los sucesos que está dando que hablar este año es el del cuarteto de Los Angeles HEALTH. Para demostrar el poder de sus composiciones que llevan el noise rock que les caracteriza a un extremo totalmente abordable, les presento el video promocional de Die Slow, primer single de su interesante segundo disco Get Color.

Disfruten.

PD: Este video me recuerda las fiestas que se hacen por acá, esas de los Super45.

Para quienes me conocen, aunque sea un poco, sabrán de mi devoción por la sueca Karin Dreijer Andersson… a ella le dediqué un artículo en este mismo sitio (y que lamentablemente perdí por culpa de un simpático hacker) y les contaba de sus inicios más pop con su banda Honey is Cool. Muy alejada de ese comienzo, e incluso de lo que realiza en The Knife, la vemos hoy en su proyecto personal Fever Ray acaparando el favor de crítica con un execlente disco homónimo, y que sin duda se encuentra peleando el status de disco del año.

Hace pocos días ha lanzado el cuarto single de la placa, e irónicamente, con el mejor tema del disco. Ya me extrañaba que Seven no fuese elegido como single, pero mi inquietud fue saldada con este espectacular video, dirigido por Johan Renk, y que va muy alineado con el corte de sus anteriores singles. Un imperdible.

Crear un disco tan perfecto como Veckatimest es para cualquier agrupación un hecho utópico, pero Grizzly Bear generó una obra prolija y certera en “donde el folk se confabula con la experimentación con una acertada coherencia estilística, creando una obra epopéyica llena de parajes irreales y melodías imperecederas, que transforman desde ya a este disco en un clásico de la música”.

Los de Brooklyn nos presentan su segundo single, While You Wait for the Others, que es acompañado por un bello video realizado Sean Pecknold, quien dirigiera uno de los videos de los magníficos Fleet Foxes.

Qué más puedo agregar?, sólo vean y disfruten porque este disco ya hizo historia.

Ya recibí un recado de que mis gustos se estaban polarizando hacia un sector muy definido de la música. Más bien mis gustos han ido cambiando con el correr del tiempo, pero debo reconocer que mi búsqueda no la acoto a cierto sector, la realidad es que no logro encontrar, con mi actitud de vida actual, algo que me llene tanto como lo que comúnmente comento.

Un disco que había dejado de lado de manera injusta fue A Million Miles From Home de Cinnamon Chasers, el proyecto de Russ Davies – hijo y sobrino de Dave and Ray Davies, fundadores de The Kinks – y cuyo sonido hace recordar lo que ha hecho Junior Boys.

Sin duda Luv Deluxe es uno de los mejores temas que he escuchado en el último tiempo en este género y además ha sido acompañado con un interesante video musical que pueden disfrutar ahora… ya!.

Röyksopp con su último trabajo Junior, tiene un repertorio tremendo para llenárnos de gratas sorpresas. Esta vez han sacado el video oficial del tema This Must Be It, uno de mis favoritos, y en la cual destaca la siempre impresionante voz de Karin Dreijer Andersson (ahora más conocida como Fever Ray).

¿Qué puedo decir del video?, pues en realidad no mucho, aparece el conocido (y a la vez desconocido) Runar, quien lleva el ritmo de los tambores a las tribus que no poseen dicho conocimiento. Bien nórdico el tema.

Disfruten.

Nada se compara al agrado de encontrar sorpresas como esta, pueden terminar por abstraerte de los confusos escenarios de la vida cotidiana, y más aún si vienen de músicos de la calidad de Midnight Juggernauts, agrupación australiana formada por Vincent Juggernaut (sintetizadores/vocoder/voz), Andy Vendetta (guitarra/MPC/voz) y Daniel Stricker (percusión), cuyo disco debut Dystopia (2007) llamó la atención de críticos, seguidores de la música y obviamente de quien escribe, quien consideró, como muchos otros, tal larga duración como uno de los fundamentales de esa temporada.

Dos años después estamos al tanto del próximo lanzamiento de su segundo disco, el cual ya posee un single promocional llamado This New Technology y que viene acompañado por un interesante video. Lo que queda claro, más que el video en sí, es que el fenómeno de Midnight Juggernauts pasará a otro nivel al escuchar el interesante y complejo tema que atesora todas las virtudes ya conocidas de esta cada vez más interesante banda.

Disfruten.

Escrito para Super45

Rewild no es el disco asombroso que el quinteto de Brooklyn quiere hacernos creer que es. Pero tampoco es lo contrario: más bien es un comienzo dubitativo que deja ciertas señales que podrían indicar un futuro prometedor.

Amazing Baby trata de desmarcarse de sus hermanos MGMT -dicho sea de paso, sus integrantes compartieron estudios en la misma universidad- generando un caleidoscopio musical que carece de estructura y armonía en su conjunto. La idea es bienvenida, teniendo en cuenta la proliferación desmesurada de grupos de similares estilos, pero divagar sin sentido concreto en cada tema, con arreglos que quieren cautivar a fans de Pink Floyd, Led Zeppelin y Black Sabbath al mismo tiempo, impide comprender el por qué existe y hacia dónde quiere ir una banda como ésta.

Por el contrario, temas como “Bayonets”, “Pump Yr Breaks” y, especialmente, “Head dress” demuestran cierta forma y temática que se acomoda mejor a sus capacidades. Como debut, Rewild pasa la prueba, pero solamente una fuerte autocrítica y un certero golpe de timón podría ilusionarnos con un futuro más auspicioso para Amazing Baby.

James Chapman, más conocido como Maps, tuvo un destacado debut con su placa We Can Create del año 2007, siendo nominado a disco del año de los reconocidos Mercury Music Prize y que ganaron finalmente los magníficos Klaxons. Dicha nominación le valió una fuerte crítica positiva a su trabajo y ayudó a crear una extensa base de seguidores, entre los que me incluyo, que esperan con ansias su segunda producción Turning The Mind, anunciada para el próximo 28 de Septiembre.

La magia de la red ya permite disfutar del disco, y sugiero que lo busquen compren pues es una pieza que supera con creces su disco debut. Por mientras les dejo el sencillo video de Let Go Of The Fear, dirigido por Rob Chandler.

Puedo estar en cierta parte deacuerdo con Rodrigo Pérez y su comentario en Super45, pero lo vivido el pasado sábado 22 de Agosto en el Teatro Caupolicán me deja claro que Tricky vino a satisfacer su necesitado ego y en cierta medida, con desmesurado egoísmo, el de sus admiradores, quienes no han dudado nunca que su figura ha sido siempre la de un ser “divino”, más allá de sus virtudes y sus tremendos errores en la vida.

Con una puesta en escena sobria el centro de atención no era Tricky en sí, más bien terminó oficiando como un maestro de ceremonias que manejaba a su antojo a una banda de grandes músicos y la acertada compañía de la voz cautivante de Francesca Belmonte. La magia existía al entender el complemento perfecto que emanaba de la música y los antojos que Tricky se daba en el mismo escenario. Todo el conjunto sonaba en perfecta armonía, era una batalla de egos contenidos en la cual cada uno de sus músicos destacaba, pero con el objetivo final de no opacar a su director, que oculto bajo su tez de color, en medio de las sombras, de espaldas al público, se convulsionaba al ritmo de sus interpretaciones y dejaba que el resto de sus súbditos hiciera los méritos para una ovación. En ese sentido realizó un brillante trabajo, pero dejaba la sensación de robar el talento de sus acompañantes para quedarse con ellos y provocar al público con su controvertido egoísmo. Claro ejemplo es la utilización de la voz de Francesca Belmonte, quien se llevo el peso de la interpretación en gran parte del concierto, y Tricky, quién más que él, supo utilizarla a su beneficio para poder explotar su propia voz de la manera que más le acomodaba. Realmente un genio, pero no por eso criticable más bien elogiable.

Tricky pudo abusar de su divismo en muchas ocasiones, al caminar entre público, al llamar a sus fans a compartir el escenario o en la prolongada despedida de rodillas frente a su público pidiendo perdón por ser lo que es y no más que eso. Pero al final de eso ví mi satisfacción prolongarse en una sonrisa. Eso no está nada de mal.

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Estamos en la mitad del año y muchos consideran que es una buena razón para hacer un análisis de las publicaciones de las obras que han sido editadas hasta la fecha. Obviamente no me alejo de esa opción y quisiera presentarles, lo que en mi opinión son, los 5 discos que no deberían faltar en tu catálogo musical.

NOTA: el orden de la lista no es necesariamente el orden de preferencia…

Grizzly Bear – Veckatimest (Warp). La música ha cambiado, hoy se enfrenta con discos tan prolijos y bellos como Veckatimest, tercer larga duración de este grupo de Brooklyn, en donde el folk se confabula con la experimentación con una acertada coherencia estilística, creando una obra epopéyica llena de parajes irreales y melodías imperecederas, que transforman desde ya a este disco en un clásico de la música.

Animal Collective – Merriweather Post Pavillion (Domino). Sin lugar a dudas el fenómeno artístico de esta temporada. Mucho antes del lanzamiento de éste, su sexto disco oficial, se estaba proclamando acertadamente a Merriweather… como uno de las obras fundamentales del último tiempo, en donde el trío de Baltimore logra llevar su incesante juego experimental a un nivel más accesible, con ambientes llenos de psicodelia y caos, envueltos en una armónica perfección.

Tortoise – Beacons of Ancestorship (Thrill Jockey).Después de años de silencio y lejos de la autocomplacencia que podría encontrarse en una banda con más de 15 años de experiencia, Tortoise genera una de las obras más destacadas de su catálogo, donde fueron recuperados los elementos distintivos del pasado y direccionados estratégicamente, pero con el sello único de una vieja máquina que sabe enfrentar el futuro y lo hace redescubriéndose a sí misma.

Sonic Youth – The Eternal (Matador). Sus casi 30 años de trayectoria hacen del cuarteto neoyorkino una de las bandas fundamentales de la industria. Y sobreviviendo a los cambios, fieles a su estilo, presentan hoy su decimosexta placa, sin duda la más directa de los últimos años, entregando un reencuentro agradable a sus orígenes, donde SY vuelve a poseer esa libertad creativa diseñando un complejo set de atmósferas disonantes, donde los límites de rock no existen.

Oh No Ono – Eggs (Morningside Records). Este quinteto danés es una de las sorpresas musicales más agradables de esta temporada. Cada uno de sus integrantes posee singulares gustos musicales y que de manera acertada confluyen en un disco lleno de variados matices y elaborados arreglos musicales. No es de extrañar sentir que Supertramp, ELO, u otra olvidada banda, han sido llevados a la actualidad, de una manera fascinante e intrigantemente inteligente.

Foto por ryan muir

Escrito para Super45

La definición actual del término post-rock va mucho más allá del concepto inicial que Simon Reynolds patentara hace 15 años y aglutina un número importante de proyectos musicales que convergen en ciertos y mínimos puntos comunes, pero se desmarcan de la concepción inicial del género. Del mismo modo, cada proyecto individual ha terminado por mermar esa rica amplitud creativa que se podía encontrar en los ‘90 y se ha hecho notoria cierta autocomplacencia que limita sus posibilidades de crecimiento o re-encanto con una audiencia cada vez más exigente.

El cuarteto japonés Mono, en sus nueve años de existencia, se ha alejado de dicho preconcepto y ha generado cambios en la manera que el post-rock se enfrenta hacia la audiencia, de forma menos predecible y más tangible e inteligente. Su disco Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined (2004) ya era una muestra de aquello, y hasta hoy es considerada por muchos como su obra maestra. Pero, no conformes con ello, este año sorprenden con Hymn to the Immortal Wind, una obra que vuelca la composición y ejecución hacia el auditor para su pleno goce.

El quinto disco de su discografía está conformado por 7 temas y es una recopilación profunda de texturas provenientes de un sinnúmero de instrumentos que se encuentran a merced de la banda. Metalófonos, chelos, violines, flautas y pianos, entre otros, trabajan en armonioso conjunto a los instrumentos nativos del grupo, para generar una banda sonora que encaja con parajes propios de la cultura nipona, llenos de melancolía y ensoñaciones que parecieran haber sido creadas para ambientar películas como Throne of Blood, del ya inmortal Akira Kurosawa.

El disco comienza con “Ashes in the snow”, una pieza que en su génesis muestra el compromiso de la banda hacia la instrumentalización como eje central de los movimientos y estructuras en la cual cada pieza es dividida. Siguiendo la misma línea, “Burial at sea” es una pieza clásica dentro de la discografía de Mono, con ciertos parajes que recuerdan a “Six days at the bottom of the ocean” de Explosions in the Sky. “Follow the map” es, sin duda, un single inmediato: su belleza es tan profunda y directa como un paraje nostálgico que encumbra a la agrupación hacia lugares comunes a la vida de cualquier auditor.

Por último hay que destacar “The battle to heaven”, cuya estructura demuestra la versatilidad de la banda para generar ambientes y terminar destruyéndolos con un desgarrador final. Sin desmerecer el resto del disco, estos cuatro temas engloban el asertivo juego de Mono con su audiencia y consigo mismos, demostrando que están un paso adelante por sobre sus contemporáneos.

Con Hymn… Mono ha procedido a dar un salto en su carrera y de una manera inteligente superar su propio techo y crear una de las obras más bellas y complejas que el post-rock haya producido en los últimos años. Un disco que será para el futuro un referente clásico de toda una generación ligada a este tan manoseado género.