• Shortcuts : 'n' next unread feed - 'p' previous unread feed • Styles : 1 2

» Publishers, Monetize your RSS feeds with FeedShow:  More infos  (Show/Hide Ads)


Date: Sunday, 27 Dec 2009 21:21
¿Qué conforma una buena serie animada? es una pregunta recurrente y, aunque la combinación de aspectos técnicos pueda variar de acuerdo al tiempo, espacio y otras circunstancias, existe un elemento que -al final- determina la trascendencia (o, en todo caso, olvido) de una producción.

Por supuesto, nos referimos al público e, irónicamente, no existe -en este y en otros ámbitos del entretenimiento audiovisual- un público más exigente y sincero que el público infantil.

Lamentablemente, en años recientes la calidad de proyectos destinados a este complejo target no es nada comparable a la de las grandiosas historias que nos ofreciera el Sekai Meisaku Gekijou de Nippon Animation en los años 70 y 80 u otros clásicos de la misma época. No obstante, dignas excepciones como Ojamajo Doremi, Card Captor Sakura o Ashita no Nadja se han hecho presentes demostrando, contrario a lo esperado, que la creatividad y excelencia en forma y fondo no son exclusivas del llamado niche anime.





En este respecto un maestro de la narrativa animada, capaz de fascinar a la audiencia tanto en contextos reales (Junkers Come Here, Kaleido Star), futuristas (ARIA) o de entera fantasía (Mahou Tsukai Tai, Princess Tutu), por mencionar sólo algunos es, sin duda, Junichi Satou, quien en 2005 dio vida a una de las mejores producciones del año que -más allá de su elaborado diseño conceptual- reafirma el poco apreciado adagio en el que, para cautivar, no son necesarios complejos conceptos o extravagantes combates sino, simple y sencillamente, una buena historia y personajes empáticos.






Con un total de 51 episodios, Fushigi Boshi no Futago Hime nos mostró las venturas y desventuras de Fine y Rein, dos atípicas princesas que emprenden una odisea para salvar su hogar de la destrucción, visitando -en el proceso- todos los reinos que conforman "La Estrella Misteriosa" y refrendando lazos de amistad entre los habitantes de un planeta que, por años, permanecieron indiferentes entre si.

Con una excelente banda sonora, desarrollo de personajes y un nivel técnico constante, Futago Hime dio un entretenido giro al género mahou-shoujo, siendo capaz de captar la atención de cualquier público. Así, a inicios de este año se confirmo que esta producción contaría con una segunda temporada, Fushigi Boshi no Futago Hime ~Gyu!~, cuyo primer episodio inauguró la temporada primaveral de anime de 2006.





Meses después de su gran hazaña en Fushigi Boshi, Fine y Rein -así como el resto de princesas y príncipes del planeta- son enviados a Gakkouboshi, un planeta-academia en donde sus habilidades y conocimientos serán puestos a prueba para determinar si son aptos para convetirse en reyes y reinas.

Entusiasmadas por la idea, Fine y Rein se disponen a hacer 1 millón de amigos en Gakkouboshi aunque, al llegar, se percatan del frío ambiente que impera en la academia por la tensión de las clases y la constante rivalidad entre alumnos, que se ve reforzada con la leyenda de la Campana Legendaria que, afirman, sólo podrá hacerla tocar aquella destinada a convertirse en Princesa Universal; todo esto no escapa a la astuta mirada de Toma, vice-presidente del consejo estudiantil, cuyos misteriosos planes se ven alterdos con la llegada de las princesas gemelas.






Claro, una nueva temporada no puede serlo sin la llegada de nuevos personajes, tales como el Príncipe Noche (talentoso violinista, proveniente del Planeta Orchestra), la Princesa Elizabeth (una personalidad galáctica, proveniente del Planeta Celeb) o Chiffon (la moé~ inteligente presidente del consejo estudiantil), todos dando un nuevo aire a este colorido relato, que ahora nos brinda nuevos escenarios y subtramas a descubrir, conservando el singular equilibrio entre creatividad, entretenimiento y formación que caracterizara a la primera temporada y tan escaso en recientes producciones.

Así, buscando otorgarle un simbólico reconocimiento (a pesar de ser una serie ignorada por el fansub occidental) y darla a conocer en un polarizado fandom, Fushigi Boshi no Futago Hime ~Gyu!~ se convierte en la serie del mes de abril en Kickin' Nekos.




Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 21:21
Lo acepto, esta noticia tiene ya un par de días, pero no había decidido cómo presentarla. Al principio pensé en escribir una Nota del Día con una retrospectiva de la trayectoria de este gran autor e incluir esta información, pero después me di cuenta que -honestamente- no podría hacer justicia a lo representativa -y significativa- que ha sido su obra.

Kanojo to Kanojo no Neko y Hoshi no Koe (en especial ésta última) fueron -y son- reflejo de una nueva corriente en la industria, prácticamente libre de la presión de estudios y patrocinadores que, en contraste, nos ofrecen historias más humanas y dotadas de un estilo netamente artístico, que a la postre a servido de inspiración a otros proyectos independientes como Ame to Shoujo to Watashi no Tegami, Makasete Iruka! o -recientemente- Yonna in the Solitary Fortress.

Por otra parte, no logro entender por qué el disgusto de muchos ante Kumo no Mukou, Yakusoku no Bashou: se habla de hoyos en el argumento, un muy complicado contexto científico y otros aspectos que un servidor no ha logrado ver del todo (aunque tal vez sea el bias). A título personal, Kumo no Mukou... es un filme complejo y muy abierto a la interpretación pero, a fin de cuentas, un buen primer ejercicio de largometraje.

Así, después de más de 1 año sin novedades, el maestro Makoto Shinkai vuelve a sorprendernos con los detalles preeliminares de su nuevo proyecto, que será un largometraje compuesto por 3 historias cuya única relación será un estudiante de secundaria.

Acorde con palabras del propio Shinkai-sensei, la trama del filme se desarrollará en nuestros días, abarcando temas y sentimientos que (cito) "nuestro tiempo y quienes nos rodean necesitan recordar desesperadamente".

El estreno de este nuevo proyecto está planeado para finales de este año aunque, con el antecedente de Kumo no Mukou... (anunciada en 2002, estrenada en 2004), será mejor tener mucha (pero muuucha) paciencia.

Por lo pronto, ya es posible degustar algunas geniales imágenes y bocetos en el apartado online de Other Voices, website de Makoto Shinkai; sin duda, algo grande a esperar.

Por cierto, una nueva muestra del trabajo de Shinkai-san podrá ser vista en el opening del port para PS2 (a la venta el 6 de abril) de Haru no Ashioto , visual novel de minori -original para PC- cuya secuencia de apertura también fuera dirigida por el sensei ^^.

He aquí una breve muestra (¡visiten el site!):


Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 19:34
Cuando un pueblo o nación se abre al mundo (ya sea por voluntad propia o -como suele suceder- por la fuerza), una de las consecuencias más obvias es el tener no sólo que compartir su cultura y visión del mundo, sino también recibir -directamente- el influjo de grupos extranjeros.

La historia nos demuestra que este fenómeno puede resultar desastrozo para ciertas civilizaciones pero, cuando un pueblo es capaz de mantener su esencia y, al mismo tiempo, asimilar formas externas de forma muy particular, el resultado puede ser realmente excepcional.

Lo anterior, como sabemos, se observa continuamente en la cultura japonesa abarcando, por supuesto, la industria que nos ocupa, en cuyas historias hemos visto reflejadas tendencias y estilos (narrativa, arquitectura, vestimenta) de todos los continentes pero, entre todas ellas, destaca una que ha sabido adaptarse al paso de los años, logrando mantenerse vigente aún en medio de un vertiginoso mercado.

Claro está, nos referimos al Neoclasicismo Francés y al Victorianismo Inglés, que han sido "materia prima" para el contexto de un buen número de relatos shoujo, desde Ribbon no Kishi -del maestro Osamu Tezuka-, hasta clásicos como Versailles no Bara o Shoujo Kakumei Utena, todos teniendo por figura central a una chica "forzada" ( circunstancias varias) a hacer a un lado su identidad natural/biológica en pos de un atractivo y gallardo porte masculino, casi siempre equiparable al de un príncipe.





Por supuesto, este híbrido modelo también incluye fastuosos colegios privados, elegantes uniformes, bailes de gala, amores secretos, una muy refinada actitud y -sin duda- rosas, muchas rosas; sin embargo, a pesar de la constante aparición de los elementos antes mencionados, este sub-género no da aún muestras de agotamiento, siempre prestándose a renovadas propuestas, entre las que Ouran Koukou Host Club se ha erigido como una de las más populares de los últimos años.

Escrita e ilustrada por Bisco Hatori, esta historia comenzó a serializarse en la revista shoujo LaLa a finales del 2003, ubicándose en poco tiempo no sólo como uno de los títulos más populares en dicha publicación sino también en las listas de tankoubon más vendidos en Japón; así, contando a la fecha con cerca de 8 volúmenes recopilatorios, era de esperar su respectiva adaptación animada aunque nadie, absolutamente nadie esperaba que los responsables de llevar este peculiar relato de amor y elegancia a la pantalla chica sería el afamado equipo de BONES.






Tras su -muy conocida- labor en series como Fullmetal Alchemist, Wolf's Rain o Eureka 7, Host Club se presenta como el primer trabajo de corte shoujo de BONES reuniendo, para ello, un staff liderado por Takuya Igarashi (cuyo trabajo en Ojamajo Doremi y Sailormoon hacen de éste un anillo al dedo), quien es asistido por el prolífico guionista Yoji Enokido (piedra angular en Shoujo Kakumei Utena), la diseñadora de personajes Kumiko Takahashi, entre otros destacados creativos quienes, obviamente, se ven completados por un interesante elenco.

Maaya Sakamoto se presenta como Haruhi Fujioka, estudiante de nuevo ingreso en la exclusiva Academia Ouran, a la que básicamente asisten descendientes de millonarios o de la más pura realeza pero Haruhi, al ser de un nivel económico regular, le es posible estudiar en Ouran únicamente gracias a sus excelentes calificaciones.






Un día, mientras buscaba un lugar tranquilo para estudiar, Haruhi tiene un inesperado encuentro con el Host Club, es decir, un grupo de jóvenes dedicados a "hacer felices" a las chicas del instituto deleitándoles con su compañía y encanto; tras horrorizarse por sus incisivos comentarios, Haruhi intenta escapar, rompiendo en el proceso un valiosísimo jarrón (800 millones de Yens, ni más ni menos).

Obligándole a pagar su deuda trabajando como el 7mo. miembro del Host Club, Tamaki Suou (el "Rey" del club) toma a Haruhi como su petit-disciple en el misterioso arte de la seducción, la simpatía y la elegancia; a regañadientes (como es de esperar), Haruhi acepta, aunque los miembros del club ignoran un insignificante detalle: Haruhi Fujioka es una chica...

Más allá de su trama genialmente adaptada, combinando una hilarante comedia con romance y un leve toque dramático, Ouran Koukou Host Club destaca por su brillante estilo visual y técnico, valiéndose continuamente de analogías y simbolismos gráficos, aún sin considerar su elegante banda sonora y un excelente desempeño vocal por parte de sus seiyuu.






Demostrando -una vez más- que los relatos de corte clásico aún tienen mucho que aportar en cualquier nivel, Ouran Koukou Host Club se ubica como una de las mejores producciones en lo que va de este 2006. Indudablemente, Anime del Mes de mayo aquí, en Kickin' Nekos.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 19:16
Nota:
Los posts dedicados a la Melodía del Mes incluiyen un clip de la canción elegida, el cual también estará disponible en la barra lateral durante 1 mes.

Año con año, el medio que nos ocupa se ve repleto (en ocasiones, saturado) de propuestas musicales, entre cantantes comerciales que buscan promover sus nuevos sencillos, artistas independientes que emplean las producciones anime como pataforma, la clásica -y la no tanto- seiyuu music y, por supuesto, aquellas voces que empezaron a labrar camino en esta industria alcanzando, a la fecha, un gran valor propio como intérpretes y un significativo nivel de creatividad musical.

En este especial rubro, considero, existen 3 exponentes base: Masami Okui, Chihiro Yonekura y, last but never least, Yoko Ishida, la más joven de este trío de diosas y, curiosamente, la que ha logrado traspasar fronteras de forma tan efectiva.





Originaria de Niigata, el debut de Ishida-san en el medio musical -así como en la industria que nos ocupa- tuvo lugar en 1993 con Otome no Policy, el alegre ending de Bishoujo Senshi Sailormoon R, aunque lo que a la postre la llevaría a ser reconocida por el público es ParaParaMax, serie de covers de temas anime (clásicos y recientes) en versión dance-remix, de la que Ishida-san se convirtió en intérprete emblema.

A partir del 2000 (coincidiendo con su llegada a Pioneer), la presencia de Yoko Ishida en la industria del anime ha sido constante al interpretar temas de apertura y cierre para un buen número de producciones, entre las que se encuentran:

  • Chitchana Yukitsukai Sugar

  • Ai Yori Aoshi

  • PuchiPuri Yushii

  • Gunparade March

  • Ah! Megami-sama!

... entre otras.





En 2003, Ishida-san da un gran paso en su carrera con el lanzamiento de su álbum Sweets en los Estados Unidos, abriendo las puertas de un nuevo mercado que se vería reforzado con la aparición de All Of Me (su más reciente álbum) en territorio americano a tan sólo 2 meses de estar a la venta en Japón.

Por supuesto, Ishida-san ha sabido complementar su carrera con un destacado desarrollo artístico, prueba de ello es su labor en J.e.t., unidad alternativa enfocada a rock y pop acústico, contanto a la fecha con 4 producciones.





Actualmente, Ishida-san forma parte del Anime Fusion Tour que, con el apoyo de Geneon Entertainment y de la cadena SunCoast, se encuentra visitando varias ciudades de la Unión Americana, siendo su último tema la melodía que hoy nos ocupa: Aka no Seijaku, segundo ending de Shakugan no Shana.

Esta intensa balada rock, compuesta y escrita por la propia Yoko, refleja como un inesperado encuentro puede llevarnos a dejarlo (y darlo) todo por un ideal, por una persona, por un sueño que deseamos ver convertido en realidad.






Resulta interesante observar, al comparar sus trabajos previos, la forma en que Ishida-san ha evolucionado en sus interpretaciones, presentándose ahora con un estilo más maduro y -no obstante- fresco, demostrando que aún queda mucho por ver (y escuchar) de esta genial artista.

Es de esta forma que Aka no Seijaku, cuyo sencillo saldrá a la venta el próximo 8 de febrero, se coloca como la Melodía del Mes en este infame blog informativo^^.


Para escuchar un breve clip de esta melodía, haz click AQUÍ.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 19:15
La imaginación nos llevará a mundos que no existieron nunca.
Pero sin ella no podemos llegar a ninguna parte.


- Carl Sagan

Uno de los pocos rasgos humanos básicos que se han conservado a pesar del tiempo y del eterno contraste entre pueblos es, sin duda, el contar historias. Y es que el arte de narrar dista mucho de ser un mero entretenimiento: es una manera de expandir nuestras mentes, de convertirnos en lo que añoramos ser, de alcanzar lugares imposibles y, por supuesto, una manera de perpetuar nuestro legado en el mundo.

Hoy en día contar historias no se limita a libros o una sencilla -aunque efectiva- tradición oral. Gracias a la tecnología, actualmente es posible no sólo conocer, sino también ver, escuchar y practicamente sentir todo tipo de historias virtud que, curiosamente, no reflejan al máximo muchos proyectos anime, y es que no sólo es cuestión de reproducir una imagen en movimiento y añadir diálogo, también es necesario combinar eficazmente sonido, música, luces y otros aspectos que logren conquistar a la audiencia.

Afortunadamente, este 2006 nos ha deleitado con la llegada de una producción que, valiéndose de un contexto y argumento por demás sencillos, logra aprovechar al 100% todos los elementos audiovisuales que la conforman.






Creada originalmente por Takahito Ekusa como mascota de la compañía de software Alchemist (reponsable de ports de exitosas visual-novels de PC a PS2), Binchou-tan hizo su debut oficial en la industria que nos ocupa a través de un cortometraje a mediados de 2004, acompañado de un extenso merchandising (que incluye productos plásticos, libros para colorear, figuras, fanbooks, cd-dramas y mucho, mucho más), convirtiendo a este pobre (¡y vaya que lo es!) niña de la montaña en una mascota bastante popular.

Por supuesto, la llegada de su propia serie animada era sólo cuestión de tiempo.

Bajo la producción del veterano Studio Deen y dirigida por Kazuhiro Furuhashi (experimentado animador también a cargo del guión y storyboard), Binchou-tan hizo su aparición el pasado 2 de febrero por la cadena TBS, compartiendo un bloque de media hora con REC, versión animada del manga homónimo de Q-taro Hanamizawa.

Con una duración tentativa de 13 episodios de 15 minutos, esta serie nos muestra -día a dia- las venturas y desventuras de Binchou-tan, una pequeña y muy pobre huérfana que vive en lo más profundo de las montañas y cuya rutina abarca desde preparar la comida, buscar un empleo y, desde luego, hacer amigos, todo ubicado en un mundo donde coverge lo real y fantástico.






No obstante, la mayor virtud de esta serie es su destacado manejo de recursos (sobretodo efectos de sonido), con los que nos presentan escenarios llenos de vida y color: desde un amanecer en las montañas, pasando por tranquilas ciudades, lagos, extensas llanuras hasta una silenciosa noche en una rústica cabaña, siempre combinando un muy buen nivel de animación digital, muy discretos CG's y, por supuesto, excelentes efectos de sonido y música.

Así, todos estos elementos contribuyen a que Binchou-tan produzca un efecto relajante (mas NO somnífero) en el espectador, una curiosa sensación de paz que la coloca en un nivel distinto al de otras producciones, particularidad que hace merecedora a Binchou-tan del puesto de Anime del Mes en este despreciable blog informativo.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 19:15
Sin duda, una de las virtudes que marcan el devenir y porvenir de un artista es su versatilidad, la capacidad de adaptarse a los cambios sin perder su sello personal en el intento, sentando así las bases de una carrera sólida y promisoria, tal como sucede con uno de los -relativamente- nuevos talentos derivados de la industria que nos ocupa: Minami Kuribayashi.

A pesar de manifestar un profundo interés -y habilidad- en el piano y canto desde muy joven, el debut de Kuribayashi-san se dio en uno de los primeros ero-games de la firma Âge, Kaseki no Uta, a mediados del 2000, sin embargo, su popularidad despuntaría inesperadamente en 2001 con la salida de uno de los títulos más exitosos del g énero en los últimos años, y que a la postre se convertiría en piedra angular de la carrera de esta joven intérprete: Kimi ga Nozomu Eien.






Gracias a este best-seller, en el que interpretó a la inocente -y trágica- Haruka Suzumiya, además de componer e interpretar el tema principal de la versión para PC (y posteriormente para DreamCast y PlayStation 2), Minami obtuvo el reconocimiento esperado, que vino a más con su participación en games como Muv-Luv (también de Âge), Angelic Vale y, por supuesto, la exitosa versión animada de Kiminozo, próxima a ser lanzada en nuestro continente como Rumbling Hearts.

No obstante, el primer trabajo "independiente" de Kuribayashi-san (es decir, desligado de ero-games) tuvo lugar con Tsubasa wa Pleasure Line, opening de la adaptación anime de Chrno Crusade en 2003, a lo que siguieron los temas principales de la serie de OVA's Akane Maniax, diversos singles y cd-dramas relacionados a Âge,, una continua colaboración en el web-broadcast Kiminozo Radio y, por supuesto, el proyecto que marcaría una nueva etapa en su carrera: Mai-HiME.

Con la salida de la poderosa Shining Days a finales de 2004, Minami no sólo se convirtió en la intérprete emblema de este éxito de Sunrise, sino que también sentó las bases de la peculiar variante rock-pop que, desde entonces, caracteriza sus canciones.

Tras la salida de su primer álbum, Overture, también en 2004, esta joven de 29 años ha permanecido vigente en la industria gracias a Blue Treasure (opening de Tide Line Blue), MuvLuv (apertura del esperado MuvLuv Alternative), Believe Yourself (ending de la coproducción Production I.G.-Cartoon Network, IGPX, el cual sólo compuso y escribió) y -no podía faltar- Dream☆Wing, primer tema de apertura de Mai Otome, serie en la que también da voz a la adorable Erstin Ho.






Ahora, con espíritu renovado, Kuribayashi-san enciende nuestros sentidos con Crystal Energy, una intensa melodía que gracias a un excelente acompañamiento de guitarras eléctricas, campanas y sintetizadores crea una atmósfera épico-medieval, perfecta para la bélica segunda etapa en la historia de estas doncellas-guerreras.

Con una lirica de redención, en la que es posible volver a estar en pie a pesar de las derrotas, listos para enfrentar una última batalla, Crystal Energy logra un interesante equilibrio entre canción adictiva y creatividad melódica, razón suficiente para convertirse en el tema musical emblemático del mes de marzo aquí, en Kickin' Nekos.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 19:14
Para quienes conforman mi generación 1999 fue, quiero pensar, un año memorable y, como tal, seguramente cada individuo recuerda una melodía como la más simbólica de ese periodo. En el caso de este felino servidor (y probablemente en muchos más), el único tema que es capaz de transportarme a aquellos tiempos es, sin duda, Eyes On Me.

Esta canción, compuesta por el maestro Nobuo Uematsu e interpretada por Faye Wong, no sólo fue punta de lanza en el esquema de promoción de SquareSoft (ahora SquareEnix) para Final Fantasy VIII, sino que se convirtió en uno de los sencillos más vendidos y aclamados del mercado nipón a finales del siglo pasado.

De muy romántica y emotiva lírica, y con una notable intensidad melódica, para futuros temas de esta poderosa franquicia (como Melodies of Life o Suteki Da Ne) fue imposible alcanzar el mismo impacto que Eyes On Me; no obstante, como si de un presagio se tratara, el más reciente título de Final Fantasy se ve acompañado por un tema de épicas proporciones, por demás adecuado para la historia de un grupo de aventureros que, antes de emprender la liberacion de un reino, deberán enfrentar sus propios temores y pérdidas.





Final Fantasy XII salió al mercado en Japón -con estrepitoso furor- el pasado 16 de marzo, pero días antes se dio a conocer su leitmotiv, Kiss Me Good-Bye, compuesto por Nobuo Uematsu y escrito e interpretado por Angela Aki.

Nacida en Japón y de ascendencia italiana, el entrenamiento musical de Aki-san comenzó con piano clásico a los 5 años de edad, continuando con violín, guitarra española y percusiones. Con gran pasión por la música, esta cantautora siempre ha buscado fusionar la voz humana son sonidos alternativos, sello que caracterizó los grupos musicales que dirigiera en la preparatoria y universidad.

A mediados de 2000, Aki-san lanzó en la Unión Americana These Words, su primer álbum y con el que obtuviera muy buenos comentarios de la crítica especializada gracias a la combinación de géneros tan disímiles como rock y gospel.

Hacia 2005, Angela vuelve a su tierra natal para presentar ONE, indie-album que le abriría las puertas en el competido medio musical nipón y llamaría la atención del maestro Uematsu, quien le invitaría a interpretar el tema principal del título que, sin duda, marca una nueva etapa en esta legendaria serie de RPG's.





Acompañada por un suave piano y de gradual intensidad, Kiss Me Good-Bye nos muestra que la vida está repleta de finales e historias truncadas pero éstas, antes de representar una tragedia son, indudablemente, un nuevo comienzo, una nueva oportunidad para salir adelante pero nunca, nunca olvidar a quienes nos han ayudado a forjar tan inolvidables experiencias.

Así, portando un significativo valor musical y simbólico para con esta mítica saga, Kiss Me Good-Bye se coloca como la melodía del mes en este deplorable blog informativo.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 19:13
Felinos educandos, probablemente lo hayan notado -probablemente no-, pero Koneko tiene un serio problema para escribir, y es que cuando por circunstancias ajenas a mi control (en especial académicas) me veo obligado a escribir demasiado, mi cerebro se sobrecalienta a tal grado que no quedan ánimos de escribir ni un maldito emoticon... de ahí el bajo ritmo en actualizaciones ^^;;.

Por supuesto, no estoy a gusto con la actual situación (si tuviera que elegir, obvio que prefiero escribir sobre anime que sobre el pobre contexto social de mi país), pero supongo que este será el ritmo de trabajo -al menos- hasta dentro de un mes, cuando el verano llegue a redimir a todas las almas en pena.

Así, considerando esta falta de tiempo y el excelente trabajo realizado por los honorables afiliados con respecto a los estrenos primaverales, Koneko ha decidido posponer los (¿2, 3, 4?) Spring Snacks y 1ras. Impresiones que restan por diseñar hasta nuevo aviso (aunque serán redactados, de eso no hay duda), lo que nos lleva al retorno de esta pseudo-sección, en la que plasmaré comentarios aleatorios sobre material ya visto o en el que estaré dispuesto a clavar mis garras T_T.



  • Del Haruhi-gate y otros Reclamos
A últimas fechas a surgido una pequeña-gran-controversia respecto al número de episodios que conformarán Suzumiya Haruhi no Yuutsu. Desde hace algún tiempo se dio a conocer que los encantos de Mikuru-chan estarían a cuadro por 14 episodios, a lo que empezaron a escucharse ciertos reclamos e insistentes preguntas al más puro estilo de "14 no son ni para el desayuno, ¿por qué no 26?"... de ahí que se haya afirmado que esos 14 episodios se deben a la llegada del remake de Kanon en otoño, cuya longitud está confirmada en 26 episodios.





Para empezar, no creo que la pre-producción de Haruhi o Kanon en KyoAni haya sido cosa de un día para otro, ambos proyectos contaron con meses y meses de planeación (en especial Haruhi, cuyos rumores de adaptación se remontan a 2004) y no considero posible que una casa del calibre de KyoAni opte por un determinado número de episodios sin antes considerar la calidad del argumento adaptado.

Tomemos -por ejemplo- a FMP: The Second Raid que, al igual que Haruhi, está basada en una serie de novelas y, no obstante ser una mezcla de los eventos originalmente presentados en la saga Owaru Day By Day (además de contar con 13 episodios), logró convertirse en una de las mejores producciones del 2005.





En resumen: KyoAni knows its business. Aunque Haruhi cuente -hasta el momento- con 6 tomos en su versión original, sería iluso esperar ver en anime todo lo que ahí sucede, no obstante, podemos estar seguros que esos 14 episodios dejarán una significativa huella en nuestra memoria, por supuesto, tampoco hay que caer en los extremos que afirman que antes de Haruhi todo era Cuautitlán (chiste muy local, sólo para mexicanisísimos lectores ^^;;) y que su arribo da inicio a una nueva era en la historia de la industria... eso sólo el tiempo lo dirá.

Mientras tanto... Mikuru-chan!! Ganbatte!! ;_;





  • ... siempre tendremos París, Venecia o Marte.
Curiosamente, uno de los estrenos primaverales más satisfactorios para un servidor ha sido ARIA -The Natural-, segunda temporada de la brillante adaptación animada del manga de Kozue Amano que, por razones que escapan a mi limitado I.Q., sigue siendo subestimada por el fandom occidental.





Manteniendo un buen nivel técnico -complementado por la excelente dirección de Junichi Satou-, el primer episodio de -The Natural- nos lleva de vuelta al planeta Aqua, justo unos días antes de que de inicio el Carnaval de Neo-Venezia, un alegre evento de luces, baile y color en el que también se darán cita las Undine de rigor (ahora acompañadas por Ai-chan ^^), sin embargo, la misteriosa partida de Presidente Aria convertirá la velada en un momento inolvidable...

Con una fascinante combinación de fantasía, leyendas, tradiciones y esa inigualable esencia que sólo entrañables personajes como Akari, Ai, Aika o Alice pueden dar, -The Natural- nos transporta a las místicas danzas con bautas y tabarros, la sensualidad de Casanova y el surreal devenir de Cat Sidhe, todo con una muy notable dirección de arte y un certero argumento (equilibrando emotividad y comedia).


Obviamente, la segunda temporada de ARIA tendría otro sabor si no contara con la participación de Choro Club en la banda sonora, así como de Yui Makino (interpretando la pacífica Euforia) y Round Table (con la nostálgica Natsumachi) a cargo de los temas principales; asimismo, es digna de mencionar la colaboración de estudios como Gainax, Ufotable y Production I.G., quienes junto a Hal Film Maker contribuyen a que la mágica atmósfera de esta serie se convierta en toda una experiencia.





De nueva cuenta, el apestoso gato les invita a echar un vistazo tanto a ARIA -The Animation- como a ARIA -The Natural-; probablemente su estilo no sea del agrado de muchos pero, para quienes sí lo es, esta es una joya animada que no debe ser pasada por alto.






  • Al maestro, con cariño...
... y no, no me refiero a Sidney Poitier, sino a ese verdadero choukantoku que es Akitarou Daichi, veterano a quien recordamos por su extraordinaria labor en producciones como Kodomo no Omocha, Fruits Basket o Jubei-chan y que en este 2006 volverá a la carga con Bokura ga Ita, basada en el exitoso shoujo-manga de Yuuki Obata.





Por supuesto, los colegas españoles tienen ya oportunidad de disfrutar de esta obra (bajo el muy cursi título de "Érase una vez, Nosotros") en la que su protagonista, Nanami Takahashi, disfruta nuevas e intensas experiencias al entrar a la preparatoria, pero ninguna tan peculiar como su encuentro con Motoharu Yano, un chico cuya reputación de playboy es superada únicamente por los rumores sobre su misterioso pasado.

Contrario al 99% de las chicas de su escuela, Nana-chan no tiene el más mínimo interés en el chico-sensación lo que, irónicamente, no hace sino llamar la atención de Yuno-kun, quien aprovechará cualquier oportunidad para acercarse a la tímida colegiala sin preveer que, en el camino, esta sui-generis relación los llevará a descubrir sus más íntimos secretos.





Al igual que Ouran Koukou Host Club y Nana, Bokura ga Ita se antoja como una de las producciones shoujo más interesantes de este 2006, en la que el maestro Daichi volverá a sorprendernos con la hilarante comedia y emotivo contexto dramático que otorgan a las adaptaciones que ha dirigido un enorme valor propio, casi siempre colocándolas al mismo nivel que la obra original.

Habrá que estar atentos a partir de Julio.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 19:12
Al terminar su primer mes, la -ya antológica- temporada primaveral de anime ha dado muestra de todos sus defectos y virtudes, desde expectativas cumplidas hasta promesas traicionadas pero, curiosamente, ha estado llena de muy agradables sorpresas; producciones que, a primera vista, podrían ser consideradas como un mero filler-up cuando, ya observándoles, se ubican como historias por demás entretenidas y creativas.

En este renglón, una de las propuestas más atractivas ha resultado ser Renkin 3-kyuu Magical? Pokan (Magipoka), desubicada -y muy divertida- comedia cuyo planteamiento bien podría ser el de una típica sitcom norteamericana (¿Drácula, un Warlock, Frankenstein y el Hombre Lobo viviendo en la misma casa?) pero, una vez dotada de alocadas situaciones, carismáticos personajes y el factor moé~ de rigor, no importa si se es o no seguidor de estos clásicos emblemas de la literatura de horror, es imposible dejar de reir XD.





No obstante, uno de los elementos de esta serie que merece un análisis individual es su secuencia de apertura ya que, para sorpresa de muchos, presenta un estilo completamente ajeno al verdadero contenido de Magipoka: gótico, trágico, tenebroso... justo lo que cualquiera esperaría de un show con tales protagonistas.

Con una producción y diseño de muy buen nivel, el opening de Magipoka puede fácilmente ubicarse en ese selecto grupo de secuencias con valor propio aunque, sin duda, es necesario destacar la calidad de su tema musical: Senketsu no Chikai, interpretado por Yousei Teikoku.





Formando parte de la joven generación de músicos indie, este duo se dio a conocer en 1998 con el mini-album Momo no Kino, en el que plasmaran una intensa fusión de Goth Rock, Techno, Trance y un leve toque de música barroca, lo que les permitiría colaborar -en 2002- en la banda sonora de J-Phoenix: Cobalt Shoutaihen, título de acción de Atlus para PS2.

Sin embargo, el trabajo que realmente les colocaría en el mapa del fandom que nos ocupa es la soberbia banda sonora del game Mai-HiME ~Unmei no Keitouju~, cuyos dos temas principales (Last Moment y Fortuna) son un auténtico reflejo de la ideología de Yui Yousei (vocalista) y Takaha Tachibana (teclados): establecer un vínculo -afirman- entre el mundo humano y Spiritia, el mundo espiritual.





Siendo su primer sencillo tras la salida de Stigma (su álbum debut a nivel profesional), Senketsu no Chikai se presenta como una mística plegaria a entidades oscuras, cuya invocante está dispuesta a sufrir un castigo eterno con tal de ver sus deseos satisfechos; un oscuro hechizo que encuentra un tono trágico en la dulce voz de Yui Yousei, constrastando con su dinámico acompañamiento.

Así, por su notable originalidad y creatividad musical (algo que se agradece al observar un homogéneo mercado), Senketsu no Chikai se ha ganado un lugar en este blog deformativo como Melodía del Mes.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
Imagina por un momento, estimado lector, que tienes 8 o 10 años y que un(a) amig@ te invita a jugar escondidas, rayuela o a la casa del árbol.

Por supuesto, para poder jugar, no sólo hace falta aceptar la oferta y participar en el juego sino, principalmente, CREER en el juego.

Si se va a jugar a las escondidas, es necesario que creamos (al menos por un momento) que el juego, sus reglas y el rol que nos impone son REALES, que en verdad existen y que debemos asimilarlo para poder disfrutarlo... y, en caso de que estemos imposibilitados para creer en el juego, entonces sólo hay una respuesta: ese juego no es para nosotros y debemos buscar otro que satisfaga nuestras necesidades.

Situación bastante lógica, ¿no es así? Pues algo similar sucede con todo lo que denominamos Arte: literatura, pintura, danza, teatro, cine, música... todos siguen al pie de la letra está "dinámica del juego", y la industria que nos ocupa no es la excepción.

Cada producción anime, cada manga que decidimos observar, desde sus primeras páginas o episodios nos dice al oído "Juguemos a esta historia, esto es lo que sucede, estos son los personajes, ¿quieres jugar?"... y ya queda en cada espectador la decisión de jugar (seguir viendo o leyendo) o buscar otro juego.

Partiendo de ese punto de vista nosotros, como anime-fans (e incluso la prensa), no estamos en posición de juzgar la naturaleza de cualquier juego, en otras palabras, "lo que nos quiere hacer creer" (la trama), porque en este mundo hay tantas historias como cabezas.

Lo que sí podemos analizar y criticar constructivamente son las intenciones del creador del juego, así como su dinámica y sus reglas PERO, para hacer eso, obviamente, tenemos que jugar primero (aunque sea por un corto tiempo).

Ahora, ¿a qué viene tanta vanal verborrea?, pues a que este fenómeno se aplica -por completo- a la más reciente producción de Toei que además, también conmemora el 50mo. aniversario de este veterano estudio: Futari wa Pretty Cure ~Splash Star~ que, con apenas 1 episodio emitido, ya ha sido objeto de encontradas opiniones... siendo muchas de ellas, a título personal, bastante arbitrarias.

Honestamente, no termino de entender por qué Toei decidió aplicar "Reset" a la que ha sido una de las franquicias más exitosas de esta industria en los últimos años. Por supuesto, se puede pensar en una "despedida democrática" (irse en la cima de la popularidad) o una mera decisión creativa pero, aún así, no deja de extrañar que una historia que todavía tenía mucho que dar haya terminado, abriendo camino a un proyecto que, a mi gusto, se antoja ambicioso y con un claro doble filo, pero no por ello menos interesante.

No obstante, antes de seguir adelante, Koneko les sugiere echar un vistazo a la siguiente Nota del Día, en donde se presenta la perspectiva de este gato respecto a Pretty Cure, que será abordada más adelante en este post:



La Nota del Día :: Pretty Cure: 2 son mejor que 1











Opening:
「Makasete SplashStar★」

Intérpretes:
Yuka Uchiyae, Orie Kimoto & Atsuko Enomoto

¿Alguien pidió "eye candy"? XD. A diferencia Danzen! Futari wa Pretty Cure, este tema se muestra más variado en cuanto a ritmo y manejo del sonido, conservando el dinamismo que caracterizara los openings de las primeras 2 temporadas.

No obstante, lo que realmente destaca es la muy colorida secuencia animada que, además de presentarnos un breve perfil de nuestras protagonistas, es viva muestra del buen presupuesto con que contó Toei para realizarla^^. Excelente timing y un genial opening que hará las delicias de los aficionados al género mahou-shoujo (como un felino servidor^^).










Ending:
Warau ga Tachi! de GO!」

Intérprete:
Mayumi Gojo

La voz oficial de los temas principales de Pretty Cure vuelve con una canción -por momentos- similar a Gecchuu! Rabu Rabu!, primer ending de esta franquicia, aunque más dinámico y emotivo. Buen detalle el de conservar los coros estilo cheerleader^^.

De nueva cuenta, mi reconocimiento para los animadores por esta excelente secuencia, en que se presenta a las chicas en su rutina escolar (Saki en un partido de softball, Mai en su clase de arte), así como algunos momentos privados, finalizando con una escena en la playa; todos muy bien realizados, aunque algunos fans con ciertos oscuros pensamientos no podrán (¿podremos? XD) evitar notar el leve tono shoujo-ai de este ending^^.











Tras varios años de vivir lejos, Mai Mishou vuelve -con su familia- a la ciudad que la viera crecer cuando niña, Yuunaki, una pequeña localidad ubicada alrededor de una montaña y muy cerca del mar. De carácter un tanto tímido, Mai es una experta en cuestiones artísticas, en especial pintura, dibujo y escultura.

Así, entre los pocos habitantes de Yuunaki se encuentra otra chica que, en cierta forma, es el opuesto de Mai: Saki Hyuuga, estudiante de 2do. grado en la secundaria local y pitcher del equipo de softball de su escuela. Además de su pasión por el deporte, esta hiperactiva chica tiene una seria afición a los pasteles y helados, lo que no es para menos al ser sus padres dueños de la cafetería más popular de esta pequeña ciudad.






Al salir de paseo rumbo a la cima de la montaña, en donde se encuentra un inmenso árbol llamado "Cielo de Estrellas", Mai tiene un inesperado encuentro con Saki, que es interrumpido por la súbita aparición de dos esferas luminosas que, al estrellarse, revelan a Flappy y Choppy, dos simpáticas criaturas que -afirman- están muy felices de "volver" a ver a Saki y Mai. ¿Volver a verlas?

No obstante, el momento se ve roto cuando Midori, hermana menor de Saki, llega para avisar que necesitan su ayuda en la cafetería. Aún en shock, Saki intenta mostrarle a su hermana las dos criaturas que acaban de encontrar... pero han desaparecido.






Lista para repartir un pedido de la cafetería, Saki sale a toda velocidad en su bicicleta cuando descubre a Floppy -transformado en celular- en uno de sus bolsillos, quien le ordena ir de inmediato a Cielo de Estrellas antes de que suceda una desgracia. Saki parte de inmediato, encontrando a Mai junto al árbol, acompañada de Choppy

Sin perder tiempo, las dos criaturas se convierten en esferas luminosas y muestran a las chicas lo que sucedio años atrás, en una misteriosa noche de verano en Yuunaki, cuando las pequeñas Saki y Mai, atraidas por Cielo de Estrellas, se separan de sus padres y corren a la cima de la montaña, en donde observan 2 luminosas esferas girando a su alrededor.

Un encuentro predestinado que, años después, se repetiría...






De vuelva al presente, una intensa hojarasca se aproxima amenazadoramente a Cielo de Estrellas, tomando en tierra la forma de un imponente sujeto, que no duda en atacarlas. Asustadas, las chicas corren para salvarse, por lo que Flappy y Choppy deciden enfrentar al enemigo por su cuenta, siendo derrotados en el acto.

Al observar la valentía de las criaturas, Saki y Mai se disponen a ayudar, siguiendo para ello las instrucciones de Floppy. Así, en una aurora multicolor -y sorprendidas por pronunciar, de la nada, frases que nunca habían escuchado-, las chicas se transforman en la Cure Bloom (traje escarlata) y Cure Egret (traje blanco).






Extrañado -mas no sorprendido- por la transformación, el misterioso enemigo actúa de inmediato al convertir un roble cercano en un gigantesco monstruo, que ataca a diestra y siniestra a las jóvenes; sin embargo, de forma involuntaria, las chicas contraatacan utilizando sus nuevos poderes.

Tras un fuerte combate y en un ataque conjunto, el par Pretty Cure logra destruir al monstruo, cuyos pedazos revelan una misteriosa perla que, según Choppy, es uno de los muchos Fragmentos Milagrosos que han sido capturados por una fuerza maligna... aunque Saki y Mai no parecen entender mucho de lo que está sucediendo^^.






A la mañana siguiente, ya en la escuela, Saki se arrepiente de no haber siquiera pedido el nombre a la chica que conociera el día anterior pero, cual concidencia, una nueva alumna llega al 2do. grado.

Saki y Mai se reconocen de inmediato y, ya presentadas oficialmente, ser compañeras de clase será solo el primero de muchos momentos que compartirán juntas, en especial con su nueva identidad.

¿Qué sucedió exactamente en esa noche de verano?, ¿qué son los Fragmentos Milagrosos?, ¿de dónde provienen los nuevos poderes de Saki y Mai?... muchas cuestiones aguardan ser reveladas...









De acuerdo, lo admito, tengo una fuerte debilidad por las mahou-shoujo. No importa si el planteamiendo inicial se muestra muy sencillo, siempre termino cayendo, de ahí que las siguientes palabras sean un poco tendenciosas^^.

Para empezar, es más que obvia la fuerte inversión de Toei en esta producción, sobretodo en las secuencias principales (opening, ending, henshin y ataques), con colores y complementos muy brillantes que contrastan al 100% con la atmósfera un tanto "oscura" de las 2 primeras temporadas, y es que no es lo mismo desarollar un mahou-shoujo en una metrópoli que en una pequeña ciudad... sin duda, la forma en que los guionistas hagan uso de este nuevo contexto será vital para el éxito de la serie.

La cuestión de animación, como menciono, es más que aceptable (¡soberbia secuencia de transformación!) y, sinceramente, dado el éxito de la franquicia, un nivel así era de esperarse. El aspecto más crucial en el caso de Splash Star es, por supuesto, la trama, respecto a la cual hay que considerar lo siguiente:

Siendo Pretty Cure lo que es, pienso que el staff no tenía muchas opciones para comenzar con Splash Star, de ahí que este primer episodio se "sienta" muy parecido al que comenzó con esta franquicia en 2004.

Más que presentar el desarrollo inicial de los personajes (ya habrá tiempo para eso, recuerden que estamos hablando de alrededor de 50 episodios), el director prefirió -al inicio de Splash Star- mostrarnos ampliamente el nuevo entorno en que se desarrollará esta serie, es decir, mostrar a los seguidores de Nagisa, Honoka y Hikari que se encuentran ante una historia completamente nueva, en un lugar diferente.

Es curioso observar que los principales símbolos de Pretty Cure se mantienen en Splash Star, como los ataques físicos (ahora complementados con barreras, que no los hacen a un lado), las tomas de manos y, claro, el aroma a shoujo-ai... aunque he de reconocer que ese ending es algo "sugestivo" (por decir lo menos^^).

Por otra parte, respecto a los conflictos que dieron gran valía a los personajes de la serie original, considero que es muy pronto para emitir un juicio en contra de Splash Star, después de todo, nadie negará que el primer episodio de Futari wa Pretty Cure no fue nada extraordinario... fue su desarrollo a lo largo de 49 episodios (complementados con una 2da. temporada y 2 películas) los que le otorgaron su popularidad, ¿acaso Splash Star no merece esta oportunidad?

Desde un una perspectiva de mercadeo, insisto en que esta acción de Toei fue BASTANTE riesgosa, pero eso no significa que se descarte por completo una serie con -apenas- 1 episodio emitido (o peor aún, sin haberla visto). De ahí que Koneko haga las siguientes recomendaciones:


Si NO has visto Pretty Cure...
... y eres aficionad@ al género mahou-shoujo, Splash Star puede resultar una entretenida experiencia, con un significativo potencial. Además de que no es necesario haber visto las temporadas anteriores para llevarle el paso.



Si YA has visto Pretty Cure...
... haz a un lado al trío de rigor y abre tu mente a Splash Star como lo que es, una nueva historia que conserva, en mi opinión, la escencia de esta franquicia. Ya el tiempo dirá si lográ ponerse a la par de sus antecesoras.


Sin embargo -y como siempre-, la última palabra la tendrá cada espectador. Por lo pronto, un servidor no puede sino augurar lo mejor a Futari wa Pretty Cure ~Splash Star~, entretenido spin-off de una exitosa franquicia que, ESPERO, no tarde mucho en llegar a Latinoamérica.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
Si hubiera que definir -en pocas palabras- la raíz que ha dado vida a esta industria por tantos años, creo que la respuesta sería obvia:

Contar Historias

... por supuesto, habrá quienes consideren que el dinero es la clave pero, como se ha demostrado en innumerables ocasiones, un extenso presupuesto no sirve de nada sin algo bueno que contar, así como tampoco son necesarias grandes cantidades o contratos para dar rienda suelta a la imaginación y creatividad, tal como lo prueba uno de los aspectos más fascinantes que se han derivado de esta industria: la doujin-culture.

Desde el muy conocido cosplay hasta la creación -un tanto underground- de games, pasando por los doujinshi y la creación de figuras, esta interesante (¿y por qué no decirlo?, redituable) subcultura se ve enriquecida año con año con la participación de cientos de personas (algunas por su cuenta, otras organizadas en circles) en eventos como la Comiket o Wonder Festival, semilleros de jóvenes talentos que han llegado -incluso- a dar el salto a las grandes ligas, siendo Type-Moon ( creadores de Tsukihime y Fate/Stay Night) uno de sus más claros -y recientes- ejemplos.

Así, el tiempo ha abierto el camino para que un nuevo fenómeno de la doujin-culture tome por sorpresa la industria que nos ocupa aunque, curiosamente, en esta ocasión no se trata de melosos romances de colegio o épicos combates entre seres extraordinarios, sino de algo más complejo, tanto como puede serlo la psique humana.

Higurashi no Naku Koro Ni (que podemos traducir como "Cuando las Cigarras Lloran...") es una historia en formato visual-novel -creada por el circle 07th. Expansion- que ha sido lanzada por capítulos (o escenarios) desde su debut en la Comiket 62 (mediados de 2002); a partir de entonces, cada Comiket ha visto la salida de un nuevo capítulo de Higurashi, contando al momento con 7 escenarios (que también se encuentran a la venta en tiendas especializadas en doujin-products, como Toranoana y tiendas online) de los 8 que han sido planeados originalmente, que son:



I:
Onikakushi-hen
Salida: 10 / 08 / 2002








II:
Watanagashi-hen
Salida: 29 / 12 / 2002








III:
Tatarigoroshi-hen
Salida: 15 / 08 / 2003








IV:
Himatsubushi-hen
Salida: 13 / 08 / 2004








V:
Meakashi-hen
Salida: 30 / 12 / 2004








VI:
Tsumihoroboshi-hen
Salida: 14 / 08 / 2005








VII:
Minagoroshi-hen
Salida: 30 / 12 / 2005







... cada nuevo escenario de Higurashi revela nuevos aspectos sobre su trama y personajes, cuyo complejo e inesperado desarrollo (a la par de un muy interesante contexto) se han convertido en su sello distintivo, elevando su popularidad.

Como es de esperar, el éxito de Higurashi ha dado pie a una buena cantidad de merchandising, incluyendo 8 manga anthologies conformadas por historias cortas de distintos autores, parte de las cuales han sido publicadas por Enter-Brain, responsables de la popular revista Magical-Cute.

No obstante, a diferencia de muchos otros circles (casi todos, me atrevería a decir) los integrantes de 07th. Expansion, las mentes maestras detrás de este naciente concepto, distan mucho de la típica imagen del doujin-artist.

Se trata, nada más y nada menos, ¡que de una familia completa! (en todo el sentido de la palabra)








Así, a base de creatividad, ingenio, trabajo y un toque de suerte, la obra de Ryukishi07 y su familia está por ascender otro peldaño en la escala mediática de la industria que nos ocupa con el estreno, el próximo .. de abril, de la versión animada de Higurashi no Naku Koro ni.

Pero antes de más detalles, por supuesto, echemos un vistazo al núcleo de este proyecto: su trama.


Japón, 1983

Buscando tranquilidad y un agradable lugar para vivir, Keiichi Maebara y su familia llegan a Hanamizawa, un pequeño pueblo con menos de 2,000 habitantes. Como cualquer joven citadino, Keiichi no está a gusto con su nuevo hogar en el campo, pero su actitud empieza a cambiar al asistir a la "escuela" local (que no era sino una vieja cabaña, es decir, sólo un maestro para toda la escuela, cuyos alumnos se congregaban, al mismo tiempo, en el mismo salón), en donde conoce a chicos de su edad con los que entabla amistad y le ayudan a adaptarse a este nuevo entorno.

Así, con nuevos amigos y lugares por conocer, el primer verano de Keiichi en Hanamizawa podría haber sido el mejor de su -hasta entonces- corta existencia hasta que un día, por casualidad, el joven se entera del oscuro pasado de este poblado rural: hace 5 años, por decreto gubernamental, una presa iba a ser construida muy cerca de Hanamizawa y sus pobladores se hubieran visto obligados a abandonar sus hogares -so riesgo de perecer cuando las compuertas fueran inauguradas-.

Defendiendo su tierra, los habitantes y el gobierno tuvieron cruentos enfrentamientos por largos días, hasta que un horrendo asesinato terminó por poner fin al arriesgado proyecto.

Desde entonces, en junio de cada año, justo el día en que la gente del pueblo celebra el Watanagashi -festival en honor a Oyashiro-sama, la deidad local-, una persona aparece muerta en Hanamizawa, al tiempo que otra desaparece misteriosamente... para que su cuerpo sea encontrado un año después.

Algunos lo llaman "La Maldición de Oyashiro-sama" o "El Asesino Serial de Hanamizawa", pero lo cierto es que todos los habitantes se muestran reacios a hablar del tema, ¿será acaso miedo, indiferencia o complicidad?

En medio de este horrendo laberino, Keiichi recuerda que Hanamizawa está a unos días de celebrar el Watanagashi... y el ciclo de muerte volverá a hacerse presente...



La versión anime de Higurashi, de la cual no se ha dado a conocer más que diseños de personaje, constará de 26 episodios bajo la producción de Studio Deen, cuya notable labor en series como Fate/Stay Night y Jigoku Shoujo es muestra del nivel de animación que podremos esperar en esta serie.

Para mayor referencia, he aquí su elenco (anexando su respectivo diseño de personaje) y staff:



Keiichi Maebara:
Souichirou Hoshi [Kira / Gundam Seed]

Un joven estudiante, recién llegado a Hanamizawa. Gracias a nuevos amigos ha logrado adaptarse a su nuevo hogar, aunque el adentrarse en los oscuros sucesos de hace 5 años lo llevará a sospechar de todo y de todos...







Rena Ryugu:
Mai Nakahara [Mai / Mai-HiME]

Compañera y vecina de Keiichi. Tiene una terrible debilidad por todo lo "lindo", aún y cuando se trate de personas, a quienes termina llevándose a su casa ^^;;








Mion Sonozaki:
Satsuki Yukino [Kagome / InuYasha]

Presidente del único grupo de estudiantes de Hanamizawa y la primera en entablar conversación con Keiichi. Mion es una tomboy y líder por naturaleza, de ahí que odie perder en los juegos que ella organiza. Esta hiperactiva chica pertenece a los Sonozaki, una de las 3 familias que controlan Hanamizawa.






Satoko Hojo:
Mika Kanai [Vanilla / Galaxy Angel]

A pesar de su corta edad Satoko-chan es una niña muy astuta y adicta a jugar bromar pesadas, de las que Keiichi siempre es víctima. Hace 3 años, los padres de Satoko fallecieron en un trágico accidente y, hace un año, su hermano desapareció durante el Watanagashi.






Rika Furute:
Yukari Tamura [Nanoha / Mahou Shoujo Lyrical Nanoha]

Rika-chan obtiene todo lo que quiere gracias a su dulce y tierna apariciencia. Al morir sus padres hace 2 años, el líder de Hanamizawa se ha hecho cargo de la manutención de Rika y Satoko, con quien vive en el templo de lugar. Es la única sobreviviente de una de las familias más poderosas del pueblo.




Director:
Chiaki Kon [Bleach]

Guión:
Toshifumi Kawase [Zeta Gundam]

Diseño de Personajes:
Kyuuta Sakai [Pita-Ten]

Producción:
Studio Deen




Como podemos ver, Higurashi no Naku Koro ni se muestra como una de las producciones más interesantes para la excesivamente prolífica temporada primaveral de anime. Obviamente, será un gran reto para el staff satisfacer a fans del game y nuevo público por igual pero, de conservar los elementos argumentales que han hecho de este concepto una de las revelaciones en el sector underground del fandom que nos ocupa, seguramente lo logrará.


Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
Como segundo proyecto de Navel, en 2004, Soul Link tenía la difícil tarea de superar a la ya sólida fanbase de Shuffle!, título que abriera las puertas a esta casa de software en el competido mercado de ero-games; sin embargo, tomando un arriesgado giro, el contexto y trama de Soul Link distarían mucho del "inocente" entorno escolar-mítico de Lisia, Nerine y compañía.

A pesar de sus atractivos gráficos y un interesante argumento (dividido en 3 capítulos), este action-thriller no fue del agrado de muchos Navel-fans debido a su elevado nivel de dificultad y excesivo número de finales (la mayoría "falsos"), aunque este inconveniente no le impidió hacerse de un selecto número de seguidores derivando, como es de esperar, en un proyecto multimedia conformado por:

  • Soul Link SIGNAL ~Code: Zero~
    Salida: Abril 2006
    Manga a serializarse en la revista Comptiq Ace

  • Soul Link ~Extension~
    Salida: Junio 2006
    Port del game original a PS2, con nuevos escenarios

  • Soul Link -The Animation-
    Estreno: 1ro. de abril
    Adaptación animada del game original, con duración de 12 episodios.

... y una vez más podemos observar, como reza el viejo adagio, que "el interés tiene pies" :P

Por supuesto, estos sub-proyectos no están relacionados entre sí y, haciendo honor al tema central de este blog, a continuación centraremos nuestra atención en la version anime de este sui generis ero-game que, a juzgar por su primer episodio, no logrará hacer justicia a su intrigante historia a menos transforme, por completo, su enfoque argumental.







Opening:
「Screaming」

Intérprete:
Miyuki Hashimoto
Para dejar un buen sabor de boca, comencemos con lo horrendo malo: pésimo montaje. Parece que los jóvenes de Picture Magic desean competir directamente con Xebec al no entender que un buen opening, no por mostrarnos a todo el cast y un desnudo a-la-Gundam-Seed de los protagonistas en 1 minuto y medio, es un buen opening. En resumen, una combinación de escenas y planos bastante desorganizados y estrepitosos.

En TOTAL contraste, Miyuki Hashimoto nos sorprende con un adictivo e intenso tema techno-rock que, aunque comparte ciertos acordes con Faze To Love (opening que interpretara en GunParade Orchestra), sin duda, terminará por colocarse como una de las mejores melodías de la temporada.







Ending:
「Dust Trail」

Intérprete:
Miyuki Hashimoto
Siguiendo la ya tradicional norma "Opening Dinámico - Ending Pasivo", tenemos una adecuada (aunque nada extraordinaria) secuencia de imágenes, complementada por una llamativa balada-rock que, por momentos, nos remite a Innocence (ending de Shuffle!). Un single a esperar ^^.









Otoño. Año 2045.

Con un vasto horizonte de oportunidades, el número de jóvenes en todo el mundo que ha decidido dejar sus ciudades natales para enrolarse en la milicia va en aumento, en especial tras la inclusión de la estación especial Aries como parte medular de sus estudios en el Colegio Central Militar.

Así, ya en Aries, Ryota Aisawa, Sayaka Nagase, Nao Morisaki y otros cadetes dan inicio -en compañía de sus maestros- a la parte más intensa de su entrenamiento, sin sospechar que la estación será atacada a la brevedad por Hallarax, un grupo terrorista con deudas pendientes con el gobierno terrestre.

Dispuestos a defender la estacion y al planeta mismo, los cadetes se verán involucrados en un conflicto de enormes proporciones, donde la línea entre héroes y villanos pronto será inexistente...







A grandes rasgos, esta es la premisa de Soul Link, y este primer episodio se encargó de presentarnos a los jóvenes protagonistas camino a Aries, además de una vista general de la vida en la estación espacial y un discreto guiño al conflicto por venir.

Por supuesto, el resultado no hubera sido tan decepcionante de no ser por 2 aspectos: nivel técnico por debajo del promedio (vamos, Shuffle! tuvo un pésimo argumento, pero al menos se mantuvo firme en dicho terreno) y un excesivo -y fuera de contexto- fanservice. No obstante, es de hacer notar la banda sonora en especial aquellas melodías de corte militar que brindan una atmósfera interesante (que, por desgracia, es rota con un panty-shot o algún otro artificio).





Así, Soul Link se muestra con un prometedor argumento-base, cuyos oprobios intentos de comedia forzada terminarán por hacer de esta serie (como en muchos otros casos) una más en el extenso universo de adaptaciones de ero-games a anime. Habrá que esperar mejoras.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
Tras adentrarme en una profunda reflexión (profunda, MUY profunda, de esas que sólo los porros del más alto calibre pueden proporcionar XD), he llegado a una terrible conclusión...

¡No puedo vivir sin Shuffle! ;_;

...
...
...

**a lo lejos, un lector infame afirma** Juat? o_O

¡Pero no se alarmen, mis estimados educandos! Contrario a lo esperado, Koneko aún (claro, aún) no ha caído en el foso de la depravación. Pero permítanme explicar mi teoría.

Lo que sucede -y probáblemente a ustedes les haya sucedido algo similar- es que cuando una historia es tan pero tan pero tan MALA, repleta de clichés y un gastado desarrollo de personajes, uno no puede evitar sino caer fascinado rendido ante tal quimera.

Por supuesto, no todo en Shuffle! está para llorar. Los últimos episodios -en especial esa soberbia actuación de Kaede como Chucky: El Muñeco Diabólico ~Sexy Version~- dan interesantes guiños de dramatismo. Pero eso es lo de menos: el verdadero placer de observar esta producción radica en el morbo que genera lo bajo que puede caer el guión.

Como en todo, seguramente habrá alguien que piense otra cosa, pero ¿a quién le importa? ese no será el objetivo en esta ocasión ^^.

No obstante, y esto es hablando en serio, si algo tengo que reconocer en esta adaptación de la opera prima de Navel es el desempeño de sus seiyuu (en especial las féminas), quienes realmente lograron dotar de personalidad -e incluso simpatía- a sus personajes además, claro está, de sus excelentes temas de apertura y cierre.

Curiosamente, el 3 de noviembre de 2005 se llevó a cabo un live-event que permitió, así, acercar a este -en muchas ocasiones, poco reconocido- elenco vocal a sus fans: Shuffle! Live ~Only For You~.

Llevado a cabo en el auditorio Yokohama Blitz, en el que se dieron cita poco menos de 1000 asistentes (en su mayoría -o, mejor dicho, totalidad- hombres) por casi 3 horas, Only For You fue un muy entretenido concierto / random-talk-show en el que el elenco aprovechó para hablar sobre sus experiencias en las grabaciones, parodiar algunos diálogos y, por supuesto, interpretar sus más destacados temas.





Como es de esperar en un evento de esta naturaleza, la mejor forma de inaugurarlo es con el mismo opening de la serie que, mientras se proyectaba en una pantalla sobre el escenario, abrió camino a Yuria quien, portando un atuendo al más puro estilo gothi-loli, deleitó con una excelente interpretación de You.






Por demás kawaii (Nota de Koneko: toda chica en atuendo gothi-loli merece puntos extra T_T), hubo un detalle en Yuria en el que quiero que presten especial atención y que, descaradamente, he tenido la osadía de llamar Los Konekos de la Infamia.





... así es, un koneko de peluche. Lo que no llamaría más la atención sino porque, durante toda la canción, NO soltó al koneko... pero en fin, consérvenlo en la memoria dado que, posteriormente, volveremos a mencionarlo.

Tras el opening, se tuvo la presentación del elenco principal de Shuffle!, del que haremos mención enseguida, no sin incluir algunos comentarios sobre su develada apariencia:





Sayaka Aoki [Lisianthus]
Aquí hay un detalle que me perturba, y es que cuando la mayoría de las seiyuu -usualmente- alteran su tono de voz para alcanzar el tan preciado Nivel Moé~ (vamos, incluso en REC esto es obvio) en Aoki-san, por increible que parezca, ¡¡el tono moé~ es su verdadera voz!! o_o. Por supuesto, cualquier otaku desmedido podría pensar "sugooooi" pero, tener más de 30 años y con esa voz... definitivamente es un caso singular ^^;;






Haruka Nagami [Nerine]
Con licencia de estilista (no, no es broma), Nagami-san presentó un tono de voz mucho más coherente con su look, aunque ese atuendo me haya recordado a una tía lejana x_x.






Miki Itou [Asa]
Interpretando a una de las fan-favorites (para quien la trama de la serie terminó inclinándose en su favor), parece que a Itou-san estaba a punto de ganarle la risa cada vez que pronunciaba palabra.






Hitomi [Primula]
Indiscutiblemente, el ALMA del show y, aunque mi primer acercamiento a su trabajo fue en Shuffle!, no dudo en ubicarla como una de las seiyuu más simpáticas del medio, con una personalidad totalmente opuesta a la de la fría Primula. Por cierto, atención al mega-koneko que lleva en los brazos (¡¿qué necedad de llevar ese enorme gato?! >.<).





Miki Inoue [Mayumi Thyme]
Seiyuu de bajo perfil, Inoue-san llamó mi atención por el curioso atuendo pseudo-guerillero-cubano que portaba. Al igual que Inoue-san, no pudo evitar controlar su síndrome de carcajada a punto de estallar.






Tomokazu Sugita & Hideki Ogihara [Rin Tsuchimi & Itsuki Midoriba]
Cualquiera pensaría que en un harem-anime llevado a show en vivo, frente a un elenco primordialmente femenino, los chicos llevarían las de perder, pero este no fue el caso. Con humor hilarante, ambos seiyuu entraron al escenario y animaron a los fans.



Por supuesto, la gran ausente en Only For You fue Yuko Gotou, quien dio vida a Kotonoha Kaede ^^;; pero, via grabación, agradeció y dio la bienvenida al público, disculpando su ausencia por motivos de trabajo.







Tras presentar al elenco, se dio inicio a una serie de comentarios sobre sus experiencias en grabaciones y detalles curiosos sobre su trabajo y vida privada. Este mini-talk-show fue ¿moderado? por Ogihara-san, quien se vio a compañado por 2 edecanes que portaban el atuendo escolar característico de la serie (ambas, por cierto, no podían evitar su gesto de "lo que tengo que hacer para comer", pero de todas formas se veían cute :P).








Entre los comentarios -entre broma y broma- revelados en esta sección están:

  • Para ganar confianza y evitar errores, antes de grabar, Aoki-san baila sin parar durante algunos minutos.
  • Hideki Ogihara es poseedor de una extensa colección de zapatos.
  • Tomokazu Sugita era constantemente regañado por el director por alterar sus diálogos.
  • Nagami-san es conocida por todo el staff de grabación por su incontrolable risa.
  • Miki Itou prefiere que la llamen -en todo momento- Princesa.
  • El shampoo favorito de Sugita-san es uno para el que, curiosamente, Miki Itou realizó algunos comerciales.

... todo esto, por supuesto, sin pasar por alto el pequeño e insignificante detalle de que ¡¡Hitomi-chan JAMÁS soltó al gato!!... ¡exijo saber de qué privilegios goza tal compatriota de peluche para no ser soltado ni por un minuto! T_T.





Posteriormente, se montó sobre el escenario un simulacro de "estudio de grabación" para dar pie a un after record en vivo de Shuffle!, por lo que a cada seiyuu le fue dado un guión y, tras apagar las luces, comenzó la grabación de una escena del 5to. episodio de la serie (Watashi no Ibasho), en donde Lisia, Nerine y Asa-sempai llegan a ayudar a Rin con las tareas del hogar, ya que Kaede está enferma.

A esto siguió una de las más hilarantes escenas del 6to. episodio (Hohoemi), en donde Primula y Rin se encuentran bajo la lluvia mientras éste intenta hacerle ver -de la forma más discreta- que necesita comprarse un sujetador ^^;;






Sin duda, este fue uno de los momentos más interesantes del show, dado que en pocas ocasiones es posible observar al elenco de una serie llevando a cabo su trabajo (sus gestos, coordinación voz-imagen, etc.). Como era de esperar, el momento fue propicio para cambiar algunas líneas por otras más incoherentes o hilarantes (Hitomi tuvo que separarse un momento del micrófono para evitar reirse a carcajadas, aunque Itou-san no tuvo tanta suerte ^^;;).

Así, tras repartir un buen lote de merchandising autografiado a los presentes, se dio por terminada la primera parte de Shuffle! Live ~Only For You~ y, después de un breve intermedio, el escenario volvió a iluminarse para dar inicio al highlight del evento: el concierto ^_^.

Por turnos, cada seiyuu fue ocupando el escenario para interpretar los temas más emblemáticos de su persoanje. He aquí el orden de las canciones presentadas:





1.
Giri Giri Heart Connection [Sayaka Aoki]
Un tema bastante genki-genki en el que se puede apreciar la ventaja de Aoki-san sobre sus compañeras en lo que a canto se refiere: su voz moé~, al ser natural, no se agota tan rápidamente XD. ¡Ahora no me puedo sacar esta canción de la cabeza! x_x.






2.
Freedom [Sayaka Aoki]
De ritmo adictivo -pero mejor coordinado que la canción anterior-. De hecho, confieso que fue de mis temas preferidos del show ^^;;






3.
Himitsu no Mori [Haruka Nagami]
Siempre he dicho que, si en Shuffle! se dignan a decir que Nerine tiene "voz de diosa", ¿por qué no eligieron a una seiyuu que supiera cantar?, y no es que Nagami-san lo haga mal, sino que cualquiera esperaría un mayor impacto en su voz. De cualquier forma, Himitsu no Mori fue muy emotiva, al grado de llevar a su intérprete a las lágrimas.






4.
Pray [Haruka Nagami]
Una balada muy bien llevada. Es importante mencionar que, aunque la voz de Nagami-san es limitada, los temas que interpreta no le piden más de lo que puede dar, de ahí que tenga un resultado bastante aceptable.






5.
High Tension Dreamer [Miki Itou]
El primer tema pop-rock de la velada, aunque nada extraordinario.






6.
Wish [Miki Itou]
Same as above -_-.




Aquí hago un paréntesis para marcar la entrada al escenario de Hitomi-chan que llevaba, ejem... ¿cómo lo digo?...

¡¡El Koneko de la Infamia!!






Probablemente se preguntarán si Hitomi-chan llegó al extremo de cantar con el peluche pero no, afortunadamente no ^^;;.

Así, tras dejar a su afelpado compañero en una banca del escenario, la siempre simpática Hitomi-chan (Hitomi-chan kawaii yo!! Hitomi-chan!! ^^), estuvo presenta a interpretar su par de temas.





7.
Hajikaru Power Station [Hitomi]
Denpa Music in all its glory!!! ^___^. Un tema por demás kawaii y adictivo (a pesar de su cursi lírica) que tenía su principal refuerzo en una muy animada Hitomi-chan.






8.
Pureness [Hitomi]
Tras una dinámica melodía, es obvio continuar con un tema más suave, sin abandonar el moé~ style tan característico de Primula-chan.




Hacemos aquí otro paréntesis para marcar la llegada de Miyuki Hashimoto (junto con Yuria, intérprete principal de Shuffle!) quien, tras charlar unos momentos con Hitomi-chan, tuvo una curiosa osadia...


¡¡Golpe directo al Koneko de la Infamia!!




Por supuesto, al observar esto, Hitomi-chan adoptó de inmediato la personalidad de Primula para lanzar a Hashimoto-san una hilarante amenaza por haber "herido" a su neko XD (todo esto ante el deleite de los fans).

Así, tras la retirada de Hitomi y el koneko, tocó turno a Hashimoto-san.





9.
In the Sky [Miyuki Hashimoto]
Esta canción fungió como ending en la versión de Shuffle! para PC. Un clásico para los fans, quienes acompañaron a la intérprete con sus palmas.






10.
Innocence [Miyuki Hashimoto]
Ending de la adaptación animada de Shuffle! y, a título personal, el mejor tema de Hahsimoto-san hasta el momento (incluso fue Melodía del Mes en este blog hace algunos meses). Un verdadero placer escuchar esta versión en vivo.



Un último paréntesis, ahora para dar la bienvenida a la más esperada del evento: ¡¡Yuria-chan!! (reitero que ese atuendo gothi-loli me fascina ^^), quien abrió camino al último par de temas.








11.
Original! [Yuria]
Opening de Shuffle! ~On The Stage~, port del game original para PS2. Un excelente tema pop-rock que hubiera alcanzado niveles estratosféricos de haber sido interpretado con una banda. Excelente :D.






12.
Mirage Lullaby [Yuria]
Sin duda, la canción más emblemática de esta franquicia y opening de su versión para PC (además de ser el que le abriera las puertas a Yuria en la industria que nos ocupa). Era de esperar que sería interpretada hasta el final, de ahí la muy animada respuesta del público. Una soberbia forma de dar por terminada esta ronda regular de canciones.



Así llegamos al final de Shuffle! Live ~Only For You~, en el que cada seiyuu agradeció al público su asistencia y apoyo, esperando volver a encontrarse muy pronto.




Por supuesto, no podía haber mejor forma de terminar este evento que con un inesperado dueto: Yuria y Hashimoto-san interpretando You en medio de un dinámico juego de luces y con el público coreando a viva voz. Un final más que apropiado.





Y de esta forma, estimados lectores (o los pocos que hayan tenido el valor de leer este extenso reporte), damos por terminado el análisis-crítica-balbuceo de Shuffle! Live ~Only For You~ esperando, como siempre, que haya sido de su moé~ completo agrado.

Por supuesto, me retiro no sin hacer referencia al personaje de la noche **inserte voz tenebrosa**...

¡¡El Koneko de la Infamia!!

Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
These children that come at you with knives, they are your children.
You taught them.
I didn't teach them. I just tried to help them stand up.


- Charles Manson



La sociedad contemporánea en general (pero en especial la occidental) está repleta de tabúes, de aspectos considerados "prohibidos" pero que, ironicamente, se relacionan con nuestros impulsos más básicos, elementales, subterráneos... como el pasado que ha pretendido sepultarlos pero que siempre, en el momento más inesperado, en las circunstancias correctas, se hacen presentes para recordarnos quienes somos, hemos sido y habremos de ser.

En este respecto, como sabemos, se incluyen innumerables fenómenos de índole sexual, religioso y, por supuesto, aquellos relacionados a la violencia término, oh ironía, proveniente del vocablo latin Bios -que significa Vida-, de ahí que se sugiera que ambos conceptos estén estrechamente ligados, cual Eros y Thanatos en la mitología griega.

Ahora bien, Freud marcaba una linea entre las dos "violencias" que coexisten en el ser humano: en primer lugar está aquella ligada al instinto animal, al mero afán de supervivencia pero, por otro lado, existe un impulso de muerte, un inexplicable deseo que puede llevar a matar sólo por placer: Trieb, una fuerza cuyo único objetivo es la autodestrucción.

Por supuesto, lo anterior nos lleva a una inevitable pregunta, ¿acaso existe la maldad en estado puro?, ¿será posible que, detrás de la escala de grises que nos conforma, se encuentre la verdadera oscuridad?

Sin duda pocos, muy pocos relatos derivados de la industria que nos ocupa (tal vez obedeciendo a la misma incomodidad que provoca el tema) se han visto dispuestos a encarar esta difícil cuestión siendo Monster, del maestro Naoki Urasawa y Believers, de Naoki Yamamoto dos recientes y efectivos análisis de la eterna lucha del ser humano contra su lado oscuro, temática underground que -desde hace algunos años- encontra un interesante exponente.

Higurashi no Naku Koro Ni nace en 2002 como una serie de visual-novels -creada por el doujin-circle 07th. Expansion- que, gracias a su atractivo elenco pero, sobretodo, a su apasionante argumento (una singular combinación de intriga y horror), se convirtió en uno de los títulos más populares en lo que refiere a doujin-games, al grado que muchos compararan su éxito al que rodeara a Tsukihime, opera prima de Type-Moon.

Así, tras 7 capítulos a la venta, una considerable antología manga, cd-dramas y selecto merchandising, el proyecto familiar de 07th Expansion ha recibido apoyo directo de Geneon Entertainment para llegar a la TV en forma de una serie animada de 26 episodios, bajo la producción de Studio Deen.

Haciendo su aparición el .. de abril, he aqui las merecidas 1ras. Impresiones de Kickin' Nekos con respecto a este obsesivo relato donde inocentes apariencias son má scara de algo más terrible que la muerte; no obstante, para mayores referencias, antes de continuar les invito a leer el Aperitivo Primaveral dedicado a esta producción:


Aperitivo Primaveral I :: Higurashi no Naku Koro Ni












Opening:
「Higurashi no Naku Koro ni」

Intérprete:
I've ~feat. Eiko Shimamiya~
Los maestros del techno-trance, I've Sound, están de regreso con una melodía única, repleta de coros autóctonos, sintetizadores, cadencia de elementos electrónicos y, por supuesto, la intensidad de Eiko Shimamiya (una de sus tradicionales intérpretes), ahora complementada por una soberbia secuencia de apertura, una aterradora metamorfosis de luz a oscuridad, sanidad a demencia, de botones que florecen en un haz de sensualidad y desolación. Sencillamente brillante.







Ending:
why. or why not

Intérprete:
Hiroyuki Oshima ~feat. Rekka Katakiri~
Producido por Voltage of Imagination (agrupación enfocada a la creación de música alternativa combinada con techno y trance) este tema, totalmente hablado en inglés y con ciertos toques de R&B;, nos deleita con la dulce voz de Rekka Katakiri y una lírica que nos remite a una incesante búsqueda de identidad, una necesidad de obtener respuestas, todo con un suave ritmo que concuerda con la aleatoria serie de imágenes que conforman este ending y que apelando a la metáfora, se relacionan con la muerte.









Roku-gatsu. Año 58 de la Era Shōwa.

[Junio. 1983]
Una cálida noche de verano, en la penumbra de una habitación, la figura de un hombre golpea violenta y continuamente la cabeza de una joven, cuya sangre tiñe todos los rincones de un tinte escarlata. Al observar ampliamente la escena observamos que se trata de dos víctimas, dos jóvenes mujeres, ambas tendidas en el suelo, con el cuerpo destrozado.

La mirada del victimario lo dice todo: ha perdido por completo la razón.






Unos meses atrás...
A pesar de ser conocido como un periodo de intenso progreso económico y tecnológico, el Japón de los años ochenta aún conservaba ese aire melancólico que le caracterizó en los primeros años de la post-guerra y que se reflejaba -principalmente- en sus poblados rurales, en donde la gente disfrutaba de una vida tranquila y apacible, sin el excesivo influjo de los medios electrónicos o el furor de una metrópoli.

Poblados, sin duda, aun arraigados a sus creencias y tradiciones pero, a la vez, celosos de ciertos secretos (como en toda pequeña comunidad)... algunos, probablemente, demasiado terribles para volver a ser mencionados.

Hanamizawa es uno de estos lugares.

Keiichi Maebara es uno de los nuevos vecinos de Hanamizawa. Su familia decidió mudarse a este pequeño pueblo en busca de un lugar pacífico para vivir y, aunque aún extraña las comodidades de la gran ciudad, Keiichi-kun ha sabido adaptarse fácilmente al lugar, forjando amistades al asistir a su nueva escuela que, por las limitantes del lugar, se conforma de un salón con alumnos de diversos grados, coordinados por un solo maestro.

Así, es fácil encontrar a Keiichi en compañía de Rena Ryuugu, una linda joven adepta a los objetos "lindos" (aunque a los demás no les parezcan tanto); Mion Sonozaki, una obstinada y algo soberbia líder; Satoko Hojo, una astuta niña siempre dispuesta a jugar bromas pesadas y, por supuesto, Rika Furute, una tierna niña apreciada por todos.






Un día, tras disfrutar de un hilarante picnic, Keiichi acompaña a Rika al "basurero" local. Su objetivo: encontrar un preciado -y "lindo"- objeto (¿en un maloliente basurero?). Mientras espera a su amiga, Maebara-kun se encuentra con Jiro Tomitake, un reportero gráfico en busca de información sobre un oscuro suceso en Hanamizawa: una sangrienta serie de asesinatos, cuyo origen se remonta 5 años atrás.

Impactado, Keiichi no duda en preguntar a Rena sobre el caso pero, casi de forma instintiva -y con una actitud seria, inusual en ella-, se rehusa a contestar.






Al dia siguiente, tras un atareado día de clases, Keiichi y las chicas deciden jugar una partida de poker (a decir verdad, Keiichi fue inducido por medios poco éticos ^^;;); as í, con el incesante acoso de Mion, Satoko y Rika -además de la indiferencia de Rena-, Keiichi pierde de forma humillante.

Caminando a casa con Mion, Maebara-kun vuelve a tocar el tema e los asesinatos pero la joven, siempre dispuesta a responder, evade de inmediato la pregunta de Keiichi y se retira.






Finalmente, un tanto confundido, Keiichi decide volver al basurero, encontrando a Rena tratando de liberar su "lindo y preciado" objeto (un muñeco de KCF, si, KCF ^^;;) de unos maderos; por un momento, la joven se retira para buscar algo con que liberar al muñeco, tiempo en que Keiichi halla unas viejas revistas y periódicos en los que se hace referencia a los sangrientos sucesos de Hanamizawa, además de una violenta revuelta, ambos acaecidos hace casi 5 años.

Aterrado, Keiichi permanece inmóvil, sin percatarse que Rena se acerca lentamente, portando un enorme arma...







Contrario a lo esperado, y sin tener que esperar los episodios introductorios de rigor, la serie nos presenta de inmediato el lado oscuro de los habitantes de Hanamizawa, desencadenando una continua cadena de intrigas que van más allá del típico who did it?

En Hanamizawa nada es lo que parece: todos son inocentes, todos sospechosos. Irónico pensar que un sitio tan pequeño pueda ocultar tantos secretos.

Una excelente ambientación por parte de Studio Deen, con un interesante énfasis en la luz natural (mediodía, atardeceres) y de sombras, así como detallados escenarios naturales y buen manejo de efectos de sonido destacando, por supuesto, el continuo sonar de las cícadas (recordemos que el título de esta serie es usualmente traducido como Cuando las Cícadas Lloran).

Otro elemento a mencionar es el marcado contraste entre los momentos cómicos (realmente hilarantes, empleando gestos exagerados y bizarros) y dramáticos (súbitos movimientos de cámara y angulos inusuales); el humor estuvo presente en buena parte de este primer episodio aunque, seguramente, el argumento se polarizará hacia el otro extremo del espectro.

En lo que respecta a la banda sonora (compuesta por Kenji Kawai), el inicio de Higurashi... no nos permite emitir una opinión, sin embargo, es de felicitar la excelente labor de l@s seiyuu, en especial Mika Kanai como Satoko, quien se empeña vanalmente en hablar de una forma elegante, tan extraño para su edad que resulta cómico ^^;;

Resumiento -y reiterando lo ya mencionado-, Higurashi no Naku Koro Ni tiene suficiente potencial para convertirse en una de las mejores producciones de la temporada: muy buen nivel técnico y un argumento en donde el horror se encuentra latente a cada momento. Sin duda, una historia para seguir de cerca.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
Entre el amplio panorama de frases, dichos y circunstancias que conforman la inculta visión del mundo de este gato, está una escena del (subestimado) filme Finding Forrester de Gus Van Sant en el que Jamal (personaje interpretado por Rob Brown) cuestiona sardónicamente a William Forrester (representado por Sean Connery) por qué desperdicia su tiempo leyendo tabloides o revistas de espectáculos cuando, dada su función de escritor, debería leer algún diario o novela, a lo que él responde con ironía:

Leo el diario para la comida... pero estos (los tabloides) son mi postre.

Y algo similar sucede conmigo y esa concepto -tan tergiversado a últimas fechas- llamado fanservice.

De hecho, ya en sobria reflexión, un 90% de lo que conforma esta industria hoy en día maneja el fanservice como una cualidad latente (con obvia excepción de proyectos realmente experimentales o radicalmente abstractos). Desde Naruto a Stand Alone Complex, desde Bleach hasta Monster, el fanservice se hace presente en miles de formas: proliferación tecnológica, referencias literarias (política, psicología, metaliteratura), cameos, efectos visuales... en fin, todo aquello que, en algún momento, permita al público identificarse con la historia y personajes que está observando, amén de involucrarse en -y disfrutar- sus confictos.

Considerando lo anterior, la pregunta a abordar sería ¿qué separa a las historias que emplean (en mayor o menor medida) el fanservice como una herramienta argumental válida, de aquellas que caen en lo vulgar e incoherente?

Obviamente, la respuesta a dicha cuestión está sujeta a una percepción personal pero, en lo que a un felino servidor respecta, todo depende a dos aspectos: la intención y el contexto.

Por ejemplo, y haciendo mención del fanservice más conocido, que es el sexual, He Is My Master -al ser una comedia irreverente-, no toma demasiado "en serio" su propia historia, de ahí que juegue a placer con el fanservice; una muestra contrastante la tenemos en GitS ~Stand Alone Complex~, en donde ciertos encuadres nos permiten apreciar la muy agraciada anatomía de la Mayor Kusanagi, no obstante, éstos shots son bastante discretos y -sobretodo- no son el centro de antención, considerando el sentido de la historia... todo lo contrario en, por decir, Soul Link, en donde se pretende vendernos un thriller con bragas instantaneas.

Así, este gato de porquería se pregunta "Bueno, en ese caso, ¿en dónde caen las obras de Oh Great!?"... precisamente -y no sin cierto cabildeo- Tenjou Tenge, el trabajo más popular de Ito Ogure (su verdadero nombre) se ubicó justo en medio, en la delgada línea que divide lo entretenido de lo vulgar, de ahí que llevara a muchos -me incluyo- a cuestionarse sobre la capacidad de este autor para presentar algo más que chicas bien formadas y violencia desmedida...

... fue entonces cuando llegó Air Gear.





Lo reconozco. Hasta hace un par de meses me mostraba reacio a echar siquiera un vistazo a esta historia (en especial tras la patética experiencia con las hermanas Natsume) pero, como siempre en la vida debe haber una primera vez, un buen día decidí observar el volumen 1... y ya voy en el 5 ^^;;.

Serializada en Weekly Shonen Magazine desde 2002 y contando a la fecha con 13 tankoubon, lo que distingue (¡y por mucho!) a Air Gear de Tenjou Tenge es, además de la obvia mejora en trazos, su singular perspectiva del espíritu juvenil urbano, su intenso deseo de libertad y los deportes extremos que, en muy poco tiempo, se han convertido en una filosofía para sus practicantes, dando origen a interesantes formas de expresión como, por ejemplo, el Parkour, cuyo estilo y principios se ven fielmente representados en esta historia.

... y, ¿para qué lo niego?, Ringo, Ume y Simca son extraordinariamente moé~ ^^;;

Bajo la producción de Toei Animation, dirigida por Hajime Kamegaki (que estuviera a cargo del clásico Fushigi Yuugi) y con un guión en manos del prolífero Chiaki J. Konaka, Air Gear finalmente llegó a la TV el pasado 4 de abril con su propia serie animada.







Opening:
Chain

Intérprete:
Back-On
Tras algunos años moviéndose en círculos independientes, estaba joven banda incursionó en las grandes ligas musicales a finales de 2004 con Adachi Tribe, su primer mini-álbum y en el que se pusiera de manifiesto su atractiva mezcla de punk-rock, rap y nu-metal. Así, contando a la fecha con 3 mini-albums, Back-On vuelve a la carga con Chain un agresivo tema (con lírica en inglés y japonés) en el que se refleja una continua lucha por la libertad, aun poniendo la vida en juego.

En lo que respecta a la secuencia animada, esta nos muestra nos muestra a los personajes en una carrera por la ciudad, valiéndose de sus habilidades en Air Trek, finalizando con el tradicional rendez-vous que da pie al título. En general, nada extraordinario, aunque es de destacar la original presentación de créditos ("pintados" en señales de tránsito, barras de contención, semáforos, paredes, etc.), además de introducirnos al contexto urbano de la serie.







Ending:
Sky-2-High

Intérprete:
Skankfunk
Una dinámica secuencia live-action por las calles de Tokio sirve de complemento a esta melodía de Skankfunk -quienes también están a cargo de la banda sonora de la serie-, en la que combinan dance y techno de forma efectiva.








Esta ciudad tiene 2 caras: la normal, la aburrida, donde todos juegan el mismo rol, donde nadie se atreve hablar; y la superior, donde la resistencia es llevada al límite, donde vida, honor y libertad trascienden todo significado, donde los Air Treck (AT, pantines de alta tecnología, con micro-motores y chips con inteligencia artificial incorporados) se han convertido en alas capaces de llevar a cualquiera al cielo infinito... o al más profundo infierno

Varias bandas han reclamado como suyas ciertas zonas de la ciudad, convirtiéndola en campo de batalla para cientos de grupos rivales, entre cuyas figuras destaca Minami Itsuki (alias "Baby Face"), líder de los East Gunz, cuyo prestigio se va al diablo al ser cruelmente humillado por los Skull Saders, una de los grupos de Storm Riders (usuarios de AT) más temidas -incluso por la policía-.






Destrozado, Ikki vuelve al que ha sido su hogar desde sus primeros años: la casa de Rika (la mayor y quien mantiene al resto), Mikan (muy agresiva estudiante de preparatoria), Ringo (estudiante de secundaria y mejor amiga de Ikki) y Ume Noyamano (la menor, una sádica estudiante de primaria), hermanas que han dado casa y comida al joven a cambio de servicios... que casi nunca cumple ^^;;.

Una noche, al deambular a solas por la casa (y enfurecido por una discusión con Mikan), Ikki-kun se atreve a entrar al cuarto prohibido, una habitación que las hermanas Noyamano protegen celosamente, so pena morir sufrir una severa paliza.






Ya en el cuarto, Ikki descubre el secreto de las chicas que, por años, creyó conocer a la perfección: ellas son Sleeping Forest, un legendario grupo de Storm Riders que, se dice, han aniquilado cuanto rival se ha interpuesto en sus objetivos pero el pobre Ikki, ajeno al bélico mundo de los Storm Riders, decide "tomar prestados" los AT de Mikan para ir a dar un paseo.

Sin embargo, al no poder controlar el intuitivo motor de los AT, Ikki empieza practicamente a "volar" por las calles, terminando en una reunión clandestina de Storm Riders, en donde tiene un cercano encuentro con Simca (una bellísima Storm Rider a la que solía observar en secreto todas las tardes) que lo lleva a retar, por accidente, al líder de los Skull Riders.






De nueva cuenta frente a quienes lo humillaran y dispuesto a todo, Ikki persigue sin éxito a sus rivales hasta que, de pronto, 3 femeninas figuras llegan en su ayuda: Mikan, Ringo y Ume se unen a la persecución, limpiando el camino para que Ikki alcance a Magaki -el líder-... sin embargo, en su frenética carrera, una nueva realidad se muestra a los ojos de Ikki, el aura de libertad que mantiene vivo el espíritu de un Storm Rider...

El "camino de las alas" por fin ha sido abierto para Ikki...






Antes de entrar de lleno a las observaciones de rigor sobre la versión anime de Air Gear es necesario destacar algunos aspectos: al estar Toei a cargo de la producción y siendo emitida en TV Tokyo, era de esperar que buena parte de la violencia e innuendos sexuales que caracterizan al manga hayan sido removidos o singularmente editados pero, si bien esto "aligera" la compleja atmósfera original, aún conserva los elementos que lo hacen dinámico y entretenido.

En general, el nivel técnico en Air Gear es promedio, destacando el discreto uso de CG en las persecuciones con AT, la casual inclusión de escenarios reales y, por supuesto, la adaptación en diseños de personaje que, a título personal, nada pide a los originales de Oh! Great y, en los casos de Ringo y Ume, el resultado llega a ser superior.

Sin embargo -e indudablemente-, el mayor mérito de esta versión anime es su banda sonora, en la que se emplean ritmos tan variados como rock, pop, rap, disco, metal, ska y techno, conformando un soundtrack que, de conservar su dinamismo, podría convertirse en uno de los mejores de la temporada.

Concluyendo, en una temporada repleta de propuestas ambiciosas (algunas efectivas, otras tantas no), resulta agradable encontrar una producción como Air Gear, cuya finalidad es pasar un momento vertiginoso y emocionante llevándonos, por unos minutos, a un mundo donde la voluntad es la única frontera.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
Siempre he pensado que una obra a la que muchos relatos (literarios, televisivos, cinematográficos o multimedia) deben -directa o indirectamente- su origen es The Hero with a Thousand Faces de Joseph Campbell, publicado originalmente en 1949 pero cuyo legado, aún hoy, sigue vigente.

En este libro, Campbell se vale de distintas teorías psicológicas y sociales, además de un profundo análisis cultural, para construir lo que se conoce como Monomito, es decir, las fases y retos por los que un individuo atraviesa previo a trascender su naturaleza humana, convirtiéndose en un auténtico héroe legendario.

Por tanto, afirma el autor, bien pueden variar el contexto, características físicas o la forma en que esta estuctura se presenta, pero la escencia que conforma el camino del héroe es (ha sido y será) siempre la misma, un ciclo que se repite generación tras generación, transformando la historia.

Basándonos en esta idea, es fácil entender por qué el concepto de "Héroe" sigue presente en varios aspectos de nuestra vida y sociedad que incluye, obviamente, a la industria que nos ocupa, en donde uno de los arquetipos heróicos más frecuentes es el de un grupo de jóvenes que, por azares del destino, se ven envueltos en un fiero conflicto bélico.

Por supuesto, las razones por las que este modelo sigue cautivando al público son tan variadas como complejas: observar cómo un ser humano pierde su libertad ante las circunstancias, cómo trasciende al mundo y logra convertirse en su última esperanza, entre otras; sin embargo, el o los jóvenes cuyo pacífico mundo se cae a pedazos en cuanto muerte, destrucción y un velado afán de victoria son el nuevo común denominador también nos permiten conocer, cara a cara, el horror y sinrazón de la guerra, además de atestiguar cómo su verdadera naturaleza sale a flote, siempre en completa incertidumbre.

En este respecto, la industria del anime nos ha ofrecido diversos ejemplos, desde el trágico devenir de Amuro Ray y Lalah Sune en Mobile Suit Gundam, la romántica odisea de Hitomi y Van en Tenkuu no Escaflowne hasta la inolvidable aventura de Claus y Lavie en Last Exile... todos historias en las que la participación femenina ha sido cada vez más frecuente y activa pero, curiosamente, muy pocas veces ha tenido lugar en un masivo primer plano.

Así, retomando elementos fantásticos en complemento a un contexto sci-fi (combinación que siempre ha dado pie a muy interesantes resultados), el próximo 3 de abril anime verá la llegada de un relato en el que tanto la guerra como el género jugarán un papel fundamental en la metamorfósis de sus protagonistas.





Basada en un concepto original de Jin Seob Song, Simoun es una de las pocas producciones primaverales que parte completamente "desde cero", es decir, que no cuentan con un background establecido en games, mangas o novelas, lo que bien da mayor libertad a sus creadores, aunque hará más difícil ganar la aceptación del público.

Nuestra historia se ubica en una realidad alterna, un conflictivo mundo llamado Aéreo-Continental que, desde su origen, ha estado dividido en facciones militarizadas, envueltas en una constante carrera armamentista; sin embargo, lo que distingue a este planeta no es su avanzada tecnologíao su mínima voluntad para fijar la paz, sino la naturaleza de sus pobladores.

En Aéreo-Continental, todos sus habitantes son -originalmente- de sexo femenino, llevando una infancia y adolescencia prácticamente normal hasta que, al cumplir los 15 años, participan en "Fuente de Primavera", una mística ceremonia que las llevará a elegir un sexo definitivo (masculino o femenino), alcanzando la edad adulta.





Así, tras cientos de años de tensa paz, el frágil equilibrio entre facciones es roto y una nueva guerra da inicio. Pero lo que -a simple vista- parece un fiero conflicto político se trata, en realidad, de una artera forma de encubrir la invasión al Principado de Shimurakrum y robar su más reciente avance tecnológico, un elevado diseño mecánico llamado Helical Motoris.

Carentes de armamento y forzados a tomar partido, los líderes de Shimurakrum deciden convertir el crucero ceremonial Simoun en una nave de combate, cuya tripulación estará conformada por un escuadrón élite llamado Call, conformado únicamente por chicas que aún no han participado en Fuente de Primavera; no obstante, las únicas habilitadas para controlar el Simoun son las Shivura, jóvenes entrenadas desde sus primeros años para proteger a Shimurakrum en caso de invasión y que, además, pueden elegir su sexo definitivo sin necesidad de una ceremonia.





Varios meses han transcurrido desde que comenzara la guerra y el Principado de Shimurakrum está a punto de ser vencido. Mientras tanto, la únidad Tempest de las Call es la única que permanece firme en la línea de fuego gracias a la labor de Neviriru, una brillante Shivura que sabe que, tarde o temprano, deberá pedirle a sus compañeras que se rindan... todo con tal de no ver morir a más miembros de su equipo.

Inesperadamente, Tempest presencia la llegada una nueva integrante, Aeru, una intrépida chica cuya innata -e inexplicable- habilidad para controlar el Simoun da una luz de esperanza a estas valientes jóvenes, para quienes ha llegado el momento de revertir el curso de la guerra, de descubrir el rostro de su verdadero enemigo y de transformar, para siempre, el destino de Aéreo-Continental...





A continuación presentamos los nombres de quienes conforman el staff y elenco de Simoun, así como el título de sus temas principales:

  • Staff
Director:
Junji Nishimura [Samurai Deeper Kyo]

Diseño de Personajes:
Asako Nishida [Yami to Boushi to Hon no Tabibito]

Dirección de Arte:
Shichirou Kobayashi [Maburaho]

Diseños Mecánicos:
Jin Seob Song

Diseño Conceptual:
Hiroshi Nagahama [Mushishi]

Música:
Toshihiko Sahashi [Full Metal Panic]

Producción:
Studio Deen [Fruits Basket]


  • Elenco
Aeru:
Michi Niino

Neviriru:
Reiko Takahashi [Diana / V Gundam]

Paraietta:
Ami Koshimizu [Tenma / School Rumble]

Kaimu:
Michiko Hosogo

Alti:
Megumi Toyoguchi [Winry / Fullmetal Alchemist]

Rimone:
Mamiko Noto [Ai / Jigoku Shoujo]

Morinasu:
Nana Mizuki [Fate / Mahou Shoujo Lyrical Nanoha]

Dominura:
Yukana [Tessa / Full Metal Panic]

Amuria:
Eri Kitamura [Saya / Blood+]



  • Temas Musicales
Opening:
Inori no Shi

Intérprete:
Savage Genius [UtaKata / Erementar Gerad]


Ending:
Utsukushiikereba Sore de ii

Intérprete:
Chiaki Ishikawa [.hack//SIGN / NOIR]





Cabe destacar que, en complemento a su estreno el próximo de 3 de abril, Simoun cuenta con una versión manga (diseñada en paralelo a la serie) que comenzó a serializarse en el número invernal de la revista Comic Yuri-hime.

Como podemos ver, Simoun posee elementos que pueden atraer a distintos públicos y, si bien cuenta con el beneficio de la duda frente al resto de los estrenos de primavera, su éxito dependerá de la pericia del staff para desarrollar un verdadero relato épico.

Por lo pronto, habremos de seguir de cerca sus primeros episodios...

Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
Es del saber común que, con cada generación de seguidores, la industria que nos ocupa presenta cambios significativos: nuevos estilos hacen su aparición, mientras que los géneros otrora considerados "clásicos" se han visto obligados a renovar su imagen, so pena de pasar -por entero- a la historia.

Por supuesto, entre estos añejos formatos los hay cuya transición ha tenido lugar sin contratiempos (relatos de/con mechas, por ejemplo, con énfasis en franquicias como Macross o Gundam), mientras que otros han tenido que someterse -en mayor o menor medida- a las exigencias del mercado, aunque esto no signifique precisamente la pérdida de su esencia.

En este respecto, uno de los géneros que ha asimilado el devenir de los tiempos de forma muy singular es el de las llamadas "chicas mágicas" (mahou-shoujo para los puritanos) que, con más de 30 años de existencia, se ha ubicado como uno de los emblemas de la industria aunque, como es de esperar, al paso del tiempo ha padecido diversas transformaciones (no pun intended :P) que, a su vez, han dado pie a innumerables variantes.

Y es que la sencilla estructura -tanto en forma como fondo- que presentaran series como Mahou Tsukai Sally y Himitsu no Akko-chan en los años 70 (consideradas como las "madres" del género y verdaderos clásicos) pasaría prácticamente desapercibida en nuestros días con una generación ávida de argumentos con mayor complejidad, vistosidad y/o ubicados en un contexto actual.





Es así como, además del típico relato de la joven que se transforma en defensora de la justicia vía artefactos mágicos (Sailormoon, Wedding Peach, Pretty Cure), tenemos a aquellas cuyas habilidades alteran su entorno personal (Mama wa Shougakku Yonensei, Pastel Yumi, Ultra Maniac), otras con énfasis en elementos musicales (Creamy Mami, Fancy Lala, Full Moon) y muchos, muchos otros derivados.

Sin embargo, considerando los contrastes marcadológicos del medio podemos decir que, actualmente, es posible clasificar a estas producciones en 3 categorías de acuerdo a su target: en primer lugar tenemos aquellas enfocadas principalmente a niñas y adolescentes, el público meta habitual (como ejemplos recientes, Tokyo Mew Mew o Mermaid Melody); seguidas de series enfocadas a una audiencia mixta, es decir, tanto féminas jóvenes como adultos adeptos al género (ejemplos, Futago Hime o Princess Tutu); y, finalmente, producciones destinadas a grupos reducidos de aficionados adolescentes o adultos (como Lyrical Nanoha o Uta-Kata).

Por supuesto, este amplio espectro ha venido a hacer un poco más compleja la percepción/clasificación de esta clase de relatos, fenómeno que se hizo presente en la -ya inaugurada- temporada primaveral de anime de 2006, en que nos encontramos con 3 series mahou-shoujo: Akubi Girl (fácilmente ubicada en la primera categoría), Onegai My Melody ~Kuru Kuru Shuffle!~ (posiblemente de grupo "mixto") y, curiosamente, una producción que -al menos para un servidor- es difícil catalogar en cuestión de target: Sasami ~Mahou Shoujo Club~.





Hace algunos meses, AIC y VAP revelaron la creación de un nuevo spin-off basado en la legendaria franquicia Tenchi Muyo!, de nueva cuenta adentrándose en el peculiar universo de las mahou-shoujo (recordemos Mahou Shoujo Pretty Sammy en 1996) y teniendo por protagonista a su fémina más joven.

Sin embargo, contrastando con su anterior incursión en el género (más enfocada a fans de la franquicia que al público en general), esta coproducción AIC-BeStack centraría su atención en un relato de corte majokko (con reminiscencias a Ojamajo Doremi) que en un mahou-shoujo tradicional, manteniendo una distancia considerable de su franquicia-base pero con suficientes elementos para llamar la atención tanto de una audiencia más amplia como de viejos seguidores.





Así, de forma paralela a una versión manga serializada en la revista Dragon Age, el pasado 13 de abril la cadena Wowow vio el estreno de Sasami ~Mahou Shoujo Club~, una colorida historia de magia, acción y comedia que, a pesar de su sencillo argumento, bien podría colocarse como una de las propuestas del género más atractivas de este año.







Opening:
Sweet Magic

Intérprete:
Magical Sweets
En términos coherentes (léase, "ajenos a todo cliché"), hablar de mahou-shoujo es hablar -técnicamente hablando- de hechiceras y, ¿qué mejor forma de representar este concepto que con una melodía de corte gótico-melancólico, a su vez complementada por una colorida secuencia que resalta las moé~ mágicas cualidades de las protagonistas. Magical Sweets, por supuesto, es la unidad conformada por las (muy) jóvenes seiyuu principales y, considerando este como su primer sencillo, el resultado es agradable. ¡Atención al sutil close-up de las piernas de Makoto-chan! (¿ven a lo que me refiero con dudas sobre la verdadera audiencia XD?).







Ending:
Kira Kira Days

Intérprete:
Magical Sweets
En completo contraste con el tema de apertura, Magical Sweets nos presenta la canción genki-genki que no puede faltar en una producción del género y, a título personal, una melodía rock-pop de muy buen nivel, con una letra algo melosa pero si son cursis hasta la médula como Koneko muy emotiva. Por su parte, la secuencia nos muestra a las chicas corriendo a campo abierto, así como encuadres de perfil que detallan su personalidad. Kawaii~!!!










Un nuevo día da inicio y, como siempre, Sasami Iwakura ayuda a su mamá a preparar el desayuno. Utensilios, cuchillos, rábanos gigantes (¡¿?!)... ¡todo listo! pero, con un movimiento brusco, un cuchilo está a punto de provocar un accidente. Inesperadamente (y no sin una dramática reflexión), Sasami detiene el cuchillo en el aire gracias a un hechizo tras lo cual -aunque a espaldas de su madre- empieza a levitar los ingredientes que faltan para terminar su parte del desayuno. Terminada su labor, Sasami acude a dar los buenos días a su papá...

Así es. Desde pequeña, Sasami-chan ha manifestado poderes mágicos, hecho del que Ginji y Honoka, sus padres, están plenamente concientes, de ahí que prohiban estrictamente a su hija no hacer uso de tan sigulares habilidades, a lo que ella atiende buena parte del tiempo... o casi ^^;;






Camino al colegio -al lado de sus amigas Kozue y Chiaki-, Sasami se encuentra con una taciturna jovencita que, no importa que, evita que cualquiera le dirija la palabra: se trata de Misao Shinohara, una nueva compañera de grupo con quien Sasami insiste en entablar conversación.

Así, estando tras Misao-chan, Sasami no se percata de que están caminando a un lado de un edificio en construcción y, misteriosamente, una esfera de demolición empieza a caer rápidamente hacia las chicas. Al darse cuenta del peligro, Sasami se barre para alejar a Misao (que seguía en su mundo) de la "pesada" esfera que, curiosamente, rebotó justo al caer al suelo.

Sin saber que sucedió con la esfera, Sasami intenta disculparse con Misao, al tiempo que una misteriosa mujer las observa desde el edificio. ¿Qué pretendía al lanzar la esfera sobre las chicas?






Sasami y compañía llegan justo a tiempo para la apertura del nuevo año escolar, en donde el director informa a los alumnos de la llegada de una nueva profesora, de nombre Washu quien, por razones desconocidas, no está presente en la ceremonia y Sasami, tomando como excusa los leves raspones que le quedaron tras barrerse para "salvar" a Misao, decide ir a la enfermería para no asistir a las primeras clases no obstante, al llegar ahí, observa a una mujer preparando una bizarra sustancia. Asustada, Sasami prefiere volver al salón.

En su primera clase, los chicos de quinto grado conocen a Mihoshi, su nueva maestra (y muy distraída, al grado de olvidar ponerse una falda al salir de casa ^^;;), quien les da solicitudes para los clubs extra-académicos, terminando buena parte de las chicas (Sasami y Misao incluidas) en el Club de Cocina, cuya sesión da inicio después de clases con la presentación oficial de la maestra Washu quien, como platillo inaugural, se dispone a despedazar -literalmente- a un cabbit (Ryo-Oh-Ki para los amigos).






Con pánico, Ryo-Oh-Ki huye de la escuela para esconderse en una casa cercana, que es habitada por Daimon-san (un viejo amigo de Sasami y su familia). Tras la pista del cabbit, Sasami y Misao entran a casa de Daimon e intentan atraparlo (sin mucho éxito) hasta que, con un ¿maullido? de Ryo-Oh-Ki, el armario de Daimon se abre en medio de un haz de luz, estrellas y viendo, succionando a las chicas, quienes terminan en un misterioso corredor.

Nerviosa -y llena de miedo-, una bizarra sombra empieza a cubrir el cuerpo de Misao-chan al tiempo que recuerda la forma en que sus viejos compañeros la molestaban. En un instante, Misao desaparece aunque, tras caminar un poco, Sasami llega a una enorme habitación repleta de jarrones, en uno de los cuales encuentra a su aterrada compañera quien le confiesa que, debido a que las sombras se apoderan de su cuerpo cuando está nerviosa, los demás niños la molestaban y, para evitar problemas, no quería hablar con nadie en su nueva escuela.






Para sorpresa de Misao, Sasami no sólo no se aterra de conocer la ¿habilidad? de su compañera, sino que ella también puede usar magia. Tras una sincera charla, Sasami ofrece a Misao ser su primera amiga, a lo que ella acepta inmediatamente ^_^.

Ahora dispuestas a salir del laberinto, las chicas encuentran al escurridizo Ryo-Oh-Ki en una habitación pero, de pronto, el cabbit empieza a crecer hasta ocupar casi todo el espacio. Desesperadas, Sasami y Misao emplean sus poderes, pero nada puede detener a Ryo-Oh-Ki y, cuando éste está a punto de aplastarlas... vuelve a su diminuto tamaño original.

Sosprendidas, las jovencitas no dan crédito a lo que ven, y más aún cuando Washu-sensei aparece frente a ellas para informarles que han sido aceptadas en el Club de Cocina... o, mejor dicho, el Club de Chicas Mágicas.

¿Cuáles son los planes de Washu?, ¿cómo obtuvieron Sasami y Misao sus poderes?, ¿a qué sabe un Ryo-Oh-Ki? (¿acaso sabe a Menchi?), ¿por qué desperdicio esta línea en tonterías?... estos y más misterios se develarán proximamente ^^;;.






El primer elemento a notar en esta producción es su extenso manejo del color, tonos claros y brillantes que ayudan a conformar la vistosa atmósfera de la serie (aún en escenarios poco iluminados); asimismo, la animación se encuentra en un buen nivel para la historia que se presenta, incluyendo el casual uso de CG para elementos má gicos.

No obstante, lo más llamativo en Sasami ~Mahou Shoujo Club~ son, sin duda, sus personajes, y es que no solo los llamativos diseños de Shoji Hara (con mirada brillante y característicos peinados y vestuario) contribuyen a su encanto, sino también el muy aceptable desempeño de las jovencitas que dan voz (o darán) a las protagonistas, todas con una pequeña trayectoria en comerciales y catálogos; enseguida les presentamos:



Sasami Iwakura:
Mana Ogawa












Misao Shinohara:
Himeko Shizara













Makoto Hozumi:
Makoto Hatano













Tsukasa Takamine:
Chiharu Kawagami













Anri Misugi:
Marin Funayama











... moé~ jovenes, ¿no lo creen? o_o, de ahí que vuelva a la misteriosa cuestión del target, ahora considerando los 2 ligeros pantyshots que hicieron discreta aparición en este episodio. ¿Qué opinan, estimados lectores?, como siempre, el público tiene la última palabra. Como mencionamos al inicio, todas ellas también conforman Magical Sweets.

Finalizando. A diferencia de otros recientes proyectos derivados de Tenchi Muyo!, esta serie apuesta por un argumento entretenido (en especial para fans del género), para cuyo disfrute no es necesario conocer esta clásica franquicia (aunque al hacerlo proporciona un interesante plus ^^). Con una longitud tentativa de 13 episodios, Sasami ~Mahou Shoujo Club~ es otro de los inesperados aciertos de la temporada primaveral.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
La vida de los muertos está en la memoria de los vivos.

- Cicerón


Cada pueblo es un universo en si mismo: formas distintas de reir, de llorar, de afrontar la vida. Sin embargo, a pesar de estas diferencias (que desgraciadamente han sido el punto de partida en inumerables conflictos) todos los seres humanos compartimos rasgos esenciales que, no importando la forma en que sean percibidos, son los que determinan nuestra condición en este planeta.

Así, es interesante observar como estos selectos "rasgos comunes", al paso del tiempo, se han convertido en temas universales para todo tipo de expresión artística aunque, sin duda, entre todos ellos destaca una característica cuyo valor radica en su misterio, en nuestra incapacidad para entender algo que va más allá de lo físico, del tiempo y el espacio... un rasgo que, irónica y posiblemente, este más ligado al origen mismo de la vida de lo que podemos imaginar: la muerte.

Haciendo a un lado raza, sexo, religión o posición social todos, desde nuestro primer aliento, estamos condenados a morir tarde o temprano; en cierta forma, nada une más a los seres humanos en su destino que el fallecer, aunque eso no ha evitado -como es costumbre- que en la Tierra, según el tiempo y el lugar, se le observe de distinta forma.

Bien dijera el brillante escritor Michel de Montaigne que "quien le enseña al hombre a morir, le enseña a vivir" pero la muerte, al ser un signo tan complejo e ignorado (en el sentido de que nadie sabe con seguridad que hay "detrás de esa puerta") ha dado pie a varias interpretaciones, siendo una de las más conocidas la visión occidental, en la que predominan el color negro, la sepultura y un cierto elemento trágico, hecho que encuentra su contraparte en oriente, donde el blanco es el color de luto y las ceremonias fúnebres adquieren una inusual solemnidad.

Salvo estas -y otras- diferencias, un rasgo en común entre las visiones de la muerte es el personificarla, darle una forma física coherente que nos permita entenderla un poco más; es así como encontramos personajes míticos y legendarios como la Morrigan en los celtas, Osiris en el antíguo egipto o nuestr@ bien conocid@ Grim Reaper, sin hacer a un lado a Izanami, quien en la mitología japonesa toma el rol de Diosa de la Muerte.

Todas estas personificaciones, han sido agrupadas bajo un singular -y cada vez más popular- término nipón: Shinigami.

Como sabemos, la misión de los shinigami es tomar la vida de aquellas personas cuyo tiempo en la Tierra ha terminado aunque, con el reciente despunte de la cultura pop (que también abarca la industria que nos ocupa), su imagen ha sido plasmada en formas tan variadas que lo mismo pueden servir de base a un shoujo musical (Fullmoon wo Sagashite), un relato de horror (Jigoku Shoujo) o hasta una épica odisea de acción y aventura (Bleach), abordando en pocas ocasiones el impacto de la pérdida de un ser querido desde una perspectiva un tanto más objetiva (suponiendo que jamás será posible representar -en ficción- a la muerte de forma realista).

Sin embargo, en medio del prolífico mercado de novelas ilustradas que, en los últimos años, ha tenido gran aceptación en Japón, una historia ha llamado particularmente la atención no sólo por tener a la muerte como tema central sino porque su protagonista, una joven shinigami, responsable de terminar con la vida de quienes deben partir, no puede evitar sentir el mismo dolor que aquellos quienes deben resignarse a una terrible pérdida.





K-suke Hasegawa e ilustrada por Nanakusa, Shinigami no Ballad es serializada en la revista Dengeki HP, contando a la fecha con 8 volúmenes recopilatorios, además de una versión manga próxima a publicarse en la revista LaLaDX.

A finales de 2006, la cadena WOWOW dio a conocer los primeros detalles de un nuevo proyecto, Dengeki Light Novel Gekijou, bloque dedicado a la emisión de adaptaciones anime de novelas publicadas bajo el sello MediaWorks, y cuyas producciones inaugurales serían Hanbun no Tsuki ga Noboru Sora -de Tsugumu Hashimoto-, seguida de Shinigami no Ballad, ambas bajo la producción de Group TAC (aunque con distinto staff) y contando únicamente con 6 episodios.

A pesar de su corta duración, Shinigami no Ballad muestra un significativo potencial en su primer episodio, cautivando a la audiencia con un relato aparentemente sencillo, pero cuyo trasfondo emocional cobra especial significado, viéndose reforzado por una interesante dirección y diseño de producción.

He aquí las 1ras. Impresiones de rigor...








Opening:
「No One」

Intérprete:
KOY
Es curioso observar cómo una melodía puede alcanzar notable emotividad sin ser particularmente agresiva o muy variada en cuanto a ritmos, tal y como sucede con este tema de apertura, en el la delicada voz de KoY y un suave acompañamiento a guitarra contribuyen a crear una atmósfera por demás melancólica, con una lírica que hace clara referencia al sentir de Momo sobre su trágica labor en el mundo.

Asimismo, la secuencia animada es un claro ejemplo de los buenos resultados que pueden obtenerse con una producción sencilla, complementada con encuadres bien detallados y significativos, como son Momo y Daniel despertando a un nuevo día de "trabajo" (la sonrisa de Momo-tan es... ¡para morirse!, y no, no pun intended XD), contrastado por un nevado día en la ciudad, en medio de cuyos habitantes nuestra shinigami camina pausadamente, observando con tristeza a aquellos con pocos días de vida. Excelente.








Ending:
「White Messenger」

Intérprete:
KOY
En la misma vena del opening, aunque un poco más upbeat, Koy alcanza en White Messanger tonalidades más variadas, sin perder con ello su toque emotivo, al que contribuye en buena parte al explorar los más profundos pensamientos de Momo.

Hablando de la animación, ésta es adecuada para el ritmo de la música, aunque algo austera a pesar del plus que representa observar los rostros de quienes protagonizar án las historias de los episodios por venir. En general, un buen resultado (Daniel tiene potencial para derrotar a la gata gorda en mis preferencias felinas ^^;;).









Una jornada más de escuela ha terminado y, como de costumbre Mai Makihara y Kouta Seto, dos estudiantes de 5to. grado, caminan juntos de regreso a casa. Recientemente, la relación entre esta joven pareja se ha vuelto más estrecha, haciendo que los amigos del joven los molesten continuamente por pasar más tiempo con Mai que con ellos.

Ignorando las críticas, Mai y Kouta van camino a casa cuando, en una caja en medio de un parque, encuentran una gatita (¡Koneko-chan! XD) abandonada al cual, a pesar de una mala experiencia pasada, la chica decide cuidarlo, no sin antes pedir el apoyo de Kouta.

Al no poder conservarlo en sus hogares, la pareja opta por llevarlo a un templo, en donde empiezan a alimentarlo y a jugar con él, convirtiendo a Mai en la mamá y a Kouta en el papá de una pequeña a la llaman Blue, en referencia a sus ojos "profundos como el cielo".






Sin embargo, las críticas no cesan para Kouta, de quien un compañero se burla mordazmente afirmando que, si tanto le gusta pasar el tiempo con Mai, sería mejor que se casaran, algo que la chica alcanza a escuchar y que posteriormente, al estar con Kouta cuidando a Blue, le hace decir al chico que tal vez sería mejor que volviera a jugar con sus amigos.

La tensión del momento hace que Mai tenga un repentino ataque de asma.


Lo cierto es que Mai ha estado seriamente enferma desde hace algún tiempo, por lo que cuidar de un gato es totalmente contraproducente. Afortunadamente, Kouta siempre ha estado ahí para ayudarla y, tras ayudarle con su inhalador y llamarle la atención por no cuidar más de si misma, Kouta se sorprende cuando Mai lo toma suavemente de la mano, emprendiendo silenciosamente el camino a casa, sin notar que una misteriosa chica de cabello blanco -y un felino alado- los observan...





Inesperadamente, cuando Mai tuvo que ausentarse para una revisión médica, Kouta y su mejor hacen las pases, terminando con las preocupaciones de la chica aunque, como era de esperar, al día siguiente Kouta acepta la invitación de sus amigos para ir a jugar, disculpándose con Mai por no poderla acompañar a cuidar a Blue, pero sus ú ltimas palabras terminan por alentarlo:

"Buena suerte, papá..."

Así, la pareja se separa justo cuando una tormenta se avecina y Mai, contrario a sus indicaciones, corre al templo para proteger a Blue. No obstante, un ataque de asma sorprende a la chica camino a casa... y ahora no hay nadie para ayudarla...






Al poco tiempo, la madre de Kouta recibe una llamada de los padres de Mai, preocupados por no saber dónde está su hija; al enterarse, Kouta corre hacia el templo, pero no encuentra a nadie, salvo a Blue cubierto con el pañuelo de Mai. Alarmado, Kouta corre hacia la casa de su amiga, entrando en shock al observar cómo una ambulancia parte del lugar a toda velocidad...

Uno días después, la lluvia continua aún por las mañanas y Kouta, con rostro inexpresivo, camina lentamente hacia su salón de clases, en donde pueden escucharse algunos sollozos y el lugar de Mai está decorado con un sencillo ramo de flores. Mai ha muerto...






Furioso, al salir de la escuela Kouta se dirige al templo, toma a Blue y lo lleva al parque donde él y Mai lo encontraran, al lugar donde -según él- debió haberse quedado para no provocar la tragedia. Sin embargo, justo antes de abandonar a la gatita, Kouta recibe la visita de una misteriosa chica de blanco, quien le pregunta por qué culpa al gato en vez de culparse a si mismo.

Sin poder responder, Kouta se sorprende aún más al observar a un gato negro alado diciéndole que si deja a Blue ahí, seguramente morirá. Kouta se encuentra ni más ni menos que ante Momo, una joven shinigami y Daniel, su consejero, quienes dicen al joven que, de no importarle lo que suceda con el felino, entonces no habrá problema en que tomen su vida (después de todo, si lo deja en la lluvia, morirá).






A Kouta no podría importarle menos el destino de Blue pero, justo al observar la guadaña de Momo cayendo sobre el pequeño animal, el chico decide salvarlo, al tiempo que Momo le pide que nunca olvide ese sentimiento, que nunca olvide a Mai y sus palabras...

Momo ha acudido a Kouta buscando que el último deseo de Mai sea cumplido: que Blue y su amigo permanezcan juntos y sean muy felices. En ese momento, Mai se presenta ante Kouta por última vez, pidiéndole que proteja a Blue como siempre cuidó de ella. Blue es un reflejo de Mai, de sus sueños y fe en el futuro, por lo que no se arrepiente de haber puesto su vida en peligro cuidándolo, así como tampoco se arrepiente de haber pasado una parte de su vida junto a su querido Kouta...

Mai se despide para siempre...






Conmovido, Kouta es abrazado por una compasiva Momo, cuyas últimas palabras para el joven cobran especial significado:

"Buena suerte, papá..."

Así, en memoria de Mai, Kouta y Blue seguirán adelante aunque, para nuestra dulce shinigami, esta tierna historia siempre permanecerá en su mente.

Desconsolada, Momo derrama sus lágrimas sobre la ciudad a pesar de los reclamos de Daniel, pero ella no puede evitarlo...

"Los muertos no pueden llorar... pero yo puedo llorar por ellos..."






Lo he dicho y lo seguiré diciendo: ¡es por series como estas que me siento orgulloso de ser anime-fan! ;_;

... ejem, haciendo el fanboyism de rigor a un lado, pasemos a observaciones un poco más objetivas ^^;;

Después de degustar el excelente trabajo de Group TAC (y el director Yukihiro Matsushita) en Hanbun no Tsuki ga Noboru Sora, dudaba que se pudiera repetir el resultado en una serie con episodios auto-conclusivos pero, afortunadamente, esto no fue así: al igual que su antecesora "de bloque" Shinigami no Ballad continua con un nivel de animación sencillo, aunque con un diseño de producción más elaborado, sobretodo en cuanto a diseño de personajes y de escenarios.

Por supuesto, buena parte de la atmósfera nostálgica que presenta esta serie es gracias al especial toque del director Tomomi Mochizuki (inusuales ángulos y movimientos de cámara, además de énfasis en expresiones faciales y extremidades corporales), complementado por el conmovedor guión de Reiko Yoshida, talentosa y prolífica escritora en series como Kaleido Star, Maria-sama ga Miteru o Aria, por mencionar algunas.

Asimismo, el talento vocal también está a la orden del día con Akiko Kabayashi (tras un excelente trabajo con Kisa en Zettai Shonen) como Momo, la adorable Ai "Mikoto" Shimizu como Daniel y, como actriz invitada en este primer episodio, Chiwa "Becky" Saitou cuya voz, sin duda, se ha convertido en sinónimo de moé~ interesantes personajes ^^.

Posiblemente uno de los principales defectos de esta producción sea el condensar novelas -de casi 100 páginas por tomo- en episodios de 25 minutos, lo que podría dejar la sensación de personajes no muy explorados pero, exceptuando este detalle, posiblemente estemos ante una breve joya que marca el final de la temporada invernal del 2006, a la vez que sirve de preludio a uno de los periodos primaverales más prolíficos en la historia de la industria.

Shinigami no Ballad: un proyecto fresco, con temática reflexiva y de amor por la vida y, por supuesto, conmovedor. ¡Qué venga el segundo episodio! ^^.
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
Al finalizar el tercer episodio de Suzumiya Haruhi no Yuutsu (que vendría a ser el episodio... whatever -_-), amén de quedar cautivado por la maestría de KyoAni y el director Tatsuya Ishihara, vino a mí una atrevida analogía, que a muchos podrá sonar exagerada -e incluso obsesiva-, pero que decidí reservarme hasta que la historia hubiera adelantado camino para comprobar, cerca del final, si mis ilusos pensamientos tenían alguna validez.

Así, habiendo observado el conmovedor Episodio 10 y el larger-than-life Episodio 11, y finalmente teniendo una clara idea sobre las intenciones de KyoAni en cuanto a la estructura episódica y argumental de la serie, levanto la cuestión: ¿es Suzumiya Haruhi no Yuutsu punta de lanza de una nueva etapa en la historia de la industria?... lo reconozco, a simple vista la pregunta es de risa loca, pero analicemos los hechos...





Recordemos que, por otaku-vox populi, nos encontramos (desde hace un par de años) en una "Era Moé~", con enorme énfasis en el diseño y comercialización de personajes; por supuesto, esto no quiere decir que se hagan a un lado las producciones "con substancia", pero sería tapar el sol con un dedo negar la -cada vez más frecuente- inclusión de ero-games, bishoujo-games, seinen-manga y light-novels en el mainstream, caracterizándose (la mayoría) por su tearjerker-ismo melodramatismo, character-appeal y -principalmente- desarrollo lineal en argumento, elementos en los que Suzumiya Haruhi... (versión anime) propone una interesante vuelta de tuerca.

En primer lugar, SHnY toma conciencia del factor-moé~ (y otros clichés) como parte de sus cimientos, es decir, no nos presenta estos elementos como intrínsecos al universo de la trama sino como "modeladores externos de realidad" (al igual que ciertas obras de ficción-popular han terminado por permear en la sociedad, modificando su conducta y vocabulario): desde harem-anime, chicas voluptuosas, loli-imouto, UFO, ESPers, tsundere e incluso viajeros temporales (el mismo Kyon reconoce todo esto, al inicio, como absurdo, como algo ajeno a su realidad, aunque termina asimilándolo), todo funge como plataforma para uno de los nucleos de la serie: la superposición de tiempos, lo que nos lleva al siguiente punto...





Contrario a lo esperado, la controvertida estructura episódico-argumental de SHnY cumple varios objetivos tanto en función de la trama como de sus espectadores; para empezar, el (des)orden en que se presentan los episodios es un reflejo de la conversación entre Mikuru y Kyon en el Episodio 05:

"(...)el tiempo no puede ser visto como un flujo continuo de acontecimientos, sino como una superposición de planos."

Extrapolándolo a la realidad, consideremos la visión del universo que proporcionan las Leyes de Newton en comparación con la Teoría de la Relatividad de Einstein: mientras que Newton nos proporciona una perspectiva en "primera persona" de los acontecimientos (y, por tanto, limitada por nuestra percepción), Einstein propone una perspectiva universal que no posee "inicio" o "final" definidos pero en la que aún existe un sentido y dirección, transformando por completo nuestra visión de la realidad (en literatura, lo anterior puede observarse en clásicos como Ulises de James Joyce o Rayuela de Julio Cortázar).

Así, la secuencia -a simple vista azarosa- de episodios permite un acercamiento distinto a los personajes (probablemente más profundo que con un desarrollo convencional ), una justificación más clara de sus acciones, poder apreciar cada capítulo como un eslabón con gran valor propio en adición a su contribución general, ofrecer al espectador un rompecabezas que estimule su imaginación y análisis -y, por ende, hacerlo partícipe de los acontecimientos-, por mencionar algunas cualidades que no se harían presentes si KyoAni hubiera decidido emitir SHnY de forma lineal... hubiera perdido buena parte de su raison d'être.





A continuación tenemos la perspectiva que nos ofrece la dirección de Tatsuya Ishihara junto a la cinematografía de Yoshiko Tanaka, que llegan (por primera vez) a nosotros con un verdadero "anti-boom" como es el Episodio 00 (que en forma es tan desastrozo y patético que resulta paradójicamente admirable), que no fue/es sino el preludio de una historia en que los tonos de fotografía, inusuales ángulos de cámara, live-action footage, silencios prolongados y, por supuesto, la creación de escenarios completamente abstractos (los bien llamados "espacios cerrados") permiten enfatizar ciertos rasgos argumentales y de personajes, de forma que el público se sumerja en la trama sin obtener toda la información de antemano adquiriendo, a la vez, valor artístico propio.

Finalmente (y lo menciono al último por ser contenido auténticamente subjetivo), SHnY nos ofrece una extensa serie de simbolismos, referencias literarias y científicas; por supuesto, algunas de éstas se presentan directa e incluso paródicamente con los selectos títulos degustados por Yuki Nagato (lista que, por cierto, es muy amplia en su versión original), pero la mayoría llegan a nosotros -de forma velada- a través de acciones, tomas y diálogos específicos: desde una simpática referencia a Phoenix Wright hasta La Voluntad de Poder de Nietzsche (los Episodios 06 y 08, aunque ligeros en acción, son muy ricos en este sentido).

Obviamente, este sistema de símbolos (que está estrechamente ligado a interpretación individual) no tiene sentido si no se ve acompañado por los elementos previamente citados aunque, cabe destacar, en la serie que nos ocupa toda referencia juega claramente un doble papel: por un lado, como una prolongación del perfil de cada personaje y del contexto de la historia y, más importante aún, como una serie de pistas que revelan nuestro papel como espectadores (cual obra litetaria, la estructura "habla a sus lectores y habla consigo misma").





Pero retomemos la pregunta: ¿es SHnY parte del inicio de una nueva era en la industria, una era postmoderna cuyas obras reconocen la participación activa del espectador en la construcción de argumentos, una era cuyas obras toman conciencia de la historicidad y contexto en que son creadas y desarrolladas (Suzumiya Haruhi... no existiría sin los más de 30 años -y continuos movimientos- que respaldan esta industria)?...

Por más que quisiera encontrar una respuesta a lo anterior (afirmativa o negativa), por el momento es completamente imposible; el legado de los clásicos -los verdaderos clásicos-, aquellos que marcan eras y generaciones (Tetsuwan Atom, Gundam, Laputa) sólo pueden ser reconocidos por el paso del tiempo y pasará mucho antes de que seamos -o no- testigos de Mikuru-chan ocupando un sitio en la historia de esta industria en que, con un número cada vez mayor de producciones por año, la fugacidad es cosa de todos los días.

Al final, Suzumiya Haruhi no Yuutsu podrá presentarse como un llamativo "discurso ontológico para el siglo XXI" u otros mil significados pero, más allá de entidades informativas o un confuso mix espacio-temporal, lo único que queda, tal vez lo único real e importante (como "entre líneas" se nos muestra) sea un largo camino a casa, una fría noche lluviosa y su tierna y burlona sonrisa...

Bouken deshou, deshou?!
Honto ga uso ni kawaru sekai de...


Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Date: Sunday, 27 Dec 2009 18:04
En un mercado tan increíblemente saturado como el actual, decir que un determinado manga es capaz de pasar a la historia como uno de los "mejores de todos los tiempos", sin duda, no pasa de ser una mera exageración.

Y es que alcanzar hoy en día el mismo nivel de clásicos como Tetsuwan Atom, Cyborg-009, Ashita no Joe o Getter Robo (que no sólo fueron "relatos", sino auténticos emblemas del Japón de la posguerra) es imposible... pero, al igual que muchos otros elementos que hicieron de la generación de mediados del siglo XX una de las más brillantes (música, cine, activismo político, literatura), estas -y otras- historias se están perdiendo cada vez más en medio del fugaz océano de la mercadotecnia.

"Conocer el pasado para enfrentar el futuro" reza un viejo adagio que las nuevas generaciones, irónicamente, parecen ignorar o despreciar del todo, junto con los esfuerzos y logros de muchos que, en algún momento, lo dieron todo para sentar las bases del presente.





Así, en medio de esta "crisis", la llegada de un manga como 20 Seiki Shonen (20th. Century Boys) no pudo haber sido más apropiada.

El argumento: Salvar al mundo.

El protagonista: Un treintañero perdedor.

El villano: Un enfermo manipulador.

Sencillo. Bastante sencillo y, aún así, el impacto fue inmediato. 20th. Century Boys es la suma de todos los conocimientos, experiencias y estilos de Naoki Urasawa: la discreta comedia de Yawara!, el suspenso de Master Keaton, el dramatismo de Happy!, la profundidad psicológica de Monster y un elemento clave adicional: la cultura popular.

Kenji y sus amigos (al igual que nuestros padres, tíos o maestros) fueron testigos de vertiginosos sucesos que marcaron a millones de personas en todo el mundo: la llegada del hombre a la luna, Woodstock, el nacimiento del Rock, el auge de la televisión o incluso una nostálgica tarde en el parque (que, créanlo, es una experiencia cada vez más difícil de disfrutar); dulces recuerdos que, años después, los llevarían a vivir lo que en su infancia fue su más grande anhelo pero que, ya adultos, se ha convertido en su peor pesadilla: salvar al mundo... pero no de una amenaza extraterrestre o de un enemigo de enormes proporciones, sino de uno de ellos, de alguien con quien compartieron inolvidables momentos, de un viejo "Amigo".


Así, más que una aterradora aventura, 20th. Century Boys es también un tributo a aquellos jóvenes -mujeres y hombres- que, con su voz y sus manos, cambiaron al mundo; un tributo a los autores de todas aquellas historias que encendieron la mecha de tantos sueños; un tributo al planeta mismo: bello y horrendo, astuto e ingenuo, sabio y a la vez tan ignorante... sin duda, un sitio donde la ficción, tarde o temprano, termina por moldear la realidad.

Cual puesta en escena en tres grandes actos, 20th. Century Boys estaba a punto de alcanzar su momento cumbre. La batalla final entre Kenji y "Amigo" por la supervivencia de la raza humana estaba en pleno desarrollo cuando, de pronto... O-WA-RI.





Así es. Sin previo aviso o comentario, el más reciente número de Big Comic Spirits vio el final de 20th. Century Boys tras 7 años de serialización y 21 volúmenes recopilados; un final abrupto, seco, sin solución a varios misterios pendientes y que, sobretodo, es completamente atípico para un mangaka del calibre de Urusawa.

Consternando aún más a los lectores, el último capitulo de 20th. Century Boys incluye una breve nota de su autor, quien dice:

"Ahora desapareceré por un tiempo, hasta que nos volvamos a reunir... ¡gracias por estos 7 años!"


"¿Es esto una broma?" es lo primero que podría venir a la mente de cualquier seguidor de este experimentado autor, cuyo control sobre sus historias y personajes se ha convertido en un sello distintivo, de ahí que un anuncio de esta naturaleza sea más considerado una broma de muy mal gusto que un anuncio oficial pero, lamentablemente, así es.

Sin embargo, al final del mismo número de Big Comic Spirits se incluye una nota que afirma que 20th. Century Boys volverá a serializarse en enero del 2007.





¿Absurdo? De primera vista, probablemente sí, pero antes de saltar a conclusiones es necesario considerar algunos elementos.

Una de las mayores cualidades de Urasawa como narrador es su buen manejo de "golpes de escena": continuamente somos testigos de nuevas revelaciones y secretos en la vida de los personajes, el autor nunca deja de dar golpe tras golpe tras golpe y eso, sin duda, ha contribuido a su éxito pero, como es obvio suponer, revelar un secreto significa tener que lidiar con nuevos secretos, cada nueva acción de los personajes conlleva una reacción en la trama, y lo cierto es que Urasawa -sobretodo después del volumen 15- ha dado pie cada vez a más y más hechos por explicar que, por decirlo de forma un tanto coloquial, pudo haber terminado mordiendo su propia cola.

Por supuesto, cabe la pequeña posibilidad que lo único que desee Urasawa es un descanso, que en verdad haya optado por -negligentemente- "abandonar el barco", que haya tenido problemas con sus editores por el contenido del final de la historia (no sería el primer caso, ¿verdad CLAMP?)... en fin. Lo único cierto es que el presunto final resulta más que insuficiente (¿sería correcto calificarlo de "falta de respeto"?) para muchos quienes consideramos esta historia como una de las -pocas- aportaciones ( cultural e intelectualmente) serias que esta industria puede brindar actualmente.

Ante esto surgen otras cuestiones: ¿lograremos ver el verdadero final de 20th. Century Boys el próximo año?, ¿algún día podremos disfrutarla en versión animada?, ¿afectará esto la serialización de Pluto en Big Comic Original?




Como siempre, sólo el tiempo dará solución a estas preguntas pero, en lo que este humilde servidor respecta, sólo espero que esta inolvidable historia obtenga el final que se merece: grande, como los "Niños del Siglo XX" cuyo legado permanece en nuestra memoria.

Un agradecimiento a ComiPress por proporcionar la noticia que dio origen a esta aburrida nota ^^;;
Author: "Koneko Sensei (noreply@blogger.com)"
Send by mail Print  Save  Delicious 
Next page
» You can also retrieve older items : Read
» © All content and copyrights belong to their respective authors.«
» © FeedShow - Online RSS Feeds Reader